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Nightwish – Yesterwynde

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C’est la première fois que je vais parler d’un album de Nightwish dans les Chroniques en Images. Ceci dit, ce n’est pas le premier que j’écoute fin de là. Il faut dire que depuis que Floor Jansen tient le micro, le groupe est devenu nettement plus séduisant à mes oreilles.

C’est en butinant sur Bandcamp que j’ai appris la sortie de Yesterwynde et comme j’avais bien aimé Human II Nature comme l’album solo de Floor, j’ai commencé à l’écouter.

Yesterwinde ce sont douze pièces de choix dont un poids lourd de presque dix minutes pour plus d’une heure de metal électro folk symphonique cinématique.

Musique celtique, orientale, orchestrale, atmosphérique, cinématique, chœurs et metal se partagent ces soixante et onze minutes épiques et intimistes façon coiffure de Marie Antoinette avant qu’on la décapite.

Certains trouveront cela too much, surtout sur une telle durée, moi je trouve que c’est la bonne longueur.

L’album a été composé pendant la COVID-19, à distance, et d’après les dires de Floor, il est plein de good vibes si j’ai bien compris.

C’est surtout un album d’une immense richesse musicale qui ressemble parfois à la B.O. d’un film à grand spectacle et qui nous surprend avec des passages plus intimistes.

D’ailleurs tout commence par ce qui ressemble au bruit d’un projecteur de cinéma avant une ouverture qui mêle musique irlandaise, messe catholique et musique classique.

Malgré mon enthousiasme presque sans limite pour cet album, il y a un morceau qui me refroidit à chaque écoute : Il s’agit de ‘The Day Of…’ avec ses chœurs de jouvencelles à la limite du diapason qui font un peu tâche au milieu d’une production très soignée.

Dans les morceaux qui me font chavirer à chaque écoute, il y a le magnifique ‘Lanternlight’ au piano et violons chanté à deux voix. J’avoue que c’est du grand classique mais je trouve la partie piano particulièrement inspirée pour ce genre de musique.

Il y a aussi ‘Hiraeth’ également chanté à deux voix où Troy me fait penser à Leonard Cohen. Une pièce qui débute tout doucement et qui se poursuit à la manière d’un folk metal irlandais grandiloquent.

‘An Ocean Of Strange Islands’ résume assez bien l’album. Ouverture à la harpe, poutrage de metal symphonique, refrain solaire, break orchestral, chœurs à la Carmina Burana et long final instrumental au bagpipe. Neuf minutes et vingt-six secondes éblouissantes et puissantes pendant lesquelles je ne m’ennuie pas un instant.

‘Sway’ est également un titre délicieusement folk symphonique qui évoque des paysages enneigés, une parenthèse de douceur coincée entre des pièces disons plus mouvementées.

Yesterwynde ne va pas révolutionner la face du monde mais croyez moi, c’est un magnifique album que j’écoute en boucle, en musique de fond ou au casque selon mon humeur. Je vous le recommande chaudement et s’il ne sera pas l’album de l’année parce que vous savez déjà pourquoi, il mérite de figurer dans mon top ten.

Oceans Of Slumber – Where Gods Fear To Speak

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Le même jour, je recevais les albums de Blind Ego, Kalandra et Oceans of Slumber. Une promo, une précommande et la sortie officielle de Where Gods Fear To Speak. Autant dire une belle journée.

Mais je ne vais pas vous mentir, j’ai un petit faible pour le groupe américain Oceans of Slumber, alors c’est eux dont nous allons parler aujourd’hui.

Les voici de retour avec Where Gods Fear To Speak, un nouvel album de dix titres dont une reprise de Chris Isaak et cinquante six minutes trop vites écoutées. Et si leur précédent opus Starlight And Ash manquait de contraste, celui-ci corrige le tir car ici growl et chant clair s’affrontent ouvertement sur des compositions blockbusters.

Entre le piano de Dobber et la voix de Cammie il y a déjà matière à se mettre sous l’oreille mais comme le prouve le précédent album, cela ne suffit pas forcément et le retour en force de la basse de Semir, les guitares des deux Chri, la batterie de Dobber et le growl de Cammie redonnent toute sa puissance au metal prog des américains.

Progressif car chaque morceau est une histoire à tiroirs. Des forts contrastes allant du piano à la guitare acoustique jusqu’au chant acapella qui s’illustrent tout particulièrement sur le titre ‘Don’t Come Back From Hell Empty-Handed’ long de plus de huit minutes.

Métal car ça poutre quand même sauvagement par moment comme dans le titre qui donne son nom à l’album ‘Where Gods Fear to Speak’.

Les ouvertures des morceaux sont particulièrement inventives, du chant acapella de ‘Wish’ au piano de ‘I Will Break The Pride Of Your Will’ en passant par les sons électros de ‘The Given Dream’ où les claviers de ‘The Impermanence Of Fate’.

La colère des dieux semble s’exprimer par le growl caverneux de Cammie. Des dieux qui soumettent les fidèles et qui promettent du vent. Un album où la chanteuse règle ses comptes avec la religion dans laquelle elle a baigné toute son enfance. Sa mère était Témoins de Jéhovah.

Inutile de dire que j’adore cet album. Mes coups de cœur vont au plus long morceau ‘Don’t Come Back From hell Empty-Handed’ à la construction des plus progressives ainsi qu’au plus court, ‘The Given Dream’ à l’émotion à fleur de peau. Mais je salue également au passage ‘Wicked Game’, la magnifique reprise de Chris Isaak.

De là à en faire un des candidats à l’album de l’année, il n’y a qu’un pas, que je ne franchirai pas, car cela fait des mois que mon choix est fait, et il faudrait vraiment un tsunami pour que je change d’avis.

Evergrey – Theories Of Emptiness

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Evergrey, le groupe de metal que mon épouse préfère, vient de sortir une nouvelle galette longue de cinquante et une minutes. Je dis longue, et ce n’est pas par hasard, car avec onze morceaux, Theories of Emptiness me paraît bien long.

Alors pas de doute, c’est bien du Evergrey. On y retrouve tous les ingrédients habituels dont la voix magnétique de Englund. Pourtant je ne rentre pas dedans. J’irai même jusqu’à dire que sorti du titre ou figure Jonas Renkse, je m’emmerde un peu.

Déjà il y a la production qui ne va pas. Le mixage manque carrément de mordant. L’abondance de claviers, de chœurs et la voix de Tom noient les guitares, la basse et la batterie dans le sirop de glucose. Même au casque ou bien en poussant les décibels, ça reste du chamallow.

Les morceaux pêchus ‘We Are The North’ et ‘One Heart’ échappent de justesse à la barbe à papa metal progressive grâce à l’abondance de guitares mordantes et aux claviers qui restent en filigranes. C’est tout particulièrement vrai pour ‘One Heart’ qui est nettement plus dans une mouvance hard rock que metal. Bon il fallait quand même oser ces chœurs épiques qui feront le bonheur des fans que l’on invitera à monter sur scène pour chanter avec Evergrey lors de la tournée.

‘Cold Dreams’ fonctionne particulièrement bien du fait du contraste offert par le growl caverneux face au metal progressif sirupeux. Et puis j’aime bien Jonas.

Et je sais, c’est carrément anecdotique, mais j’aime beaucoup le dernier morceau intitulé ’A Theory Of Emptiness’, peut-être parce qu’il est nettement plus lisible avec juste un peu de claviers, du piano et une voix.

Ceci dit Theories of Emptiness est un album sympathique. Les titres fonctionnent et s’enchaînent à la perfection et si la production avait été plus ciselée, j’aurais sans doute mieux apprécié la richesse des sonorités des instruments. Les guitares de Henrik, quand elles s’imposent, sont particulièrement brillantes et quelques ouvertures comme celle de ‘To Become Someone Else’ sont vraiment bien foutues.

Tout ça pour vous dire que je ne vous recommande pas Theories of Emptiness car je n’arrive pas à me convaincre moi-même qu’il s’agisse d’un bon album.

Chalk Hands – Don’t think about death

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Une fois n’est pas coutume, c’est une pochette qui m’a inspiré la chronique de cette semaine. Il est vrai que je suis très attaché au visuel des albums, mais de là à écouter un disque juste pour son artwork, il y a une limite que je ne franchirai pas.

Don’t Think About Death du groupe Chalk Hands m’a pourtant tapé dans l’œil avant d’arriver jusqu’à mon oreille. Il faut dire que les étiquettes post-hardcore, punk et post-rock ne sont pas forcément celles qui me vendent le mieux une musique.

Le groupe aux têtes de winner vient de Brighton. Il est né en 2017 et c’est leur premier album après deux EPs sortis en 2017 et 2019 plus quelques singles.

La pochette en question me fait songer à la perspective de Selling England By The Pound de Genesis dans laquelle une vague immense aurait tout submergé.

Une maison, une table, une porte, une chaise, une horloge, des livres, un pot de fleurs et plein d’autres objets sont emportés par un tsunami et vont s’écraser sur une plage de galets multicolores.

Et au cœur de cette vague s’ouvre une porte sombre et deux silhouettes humaines esquissées à la craie se tiennent de chaque côté de la grève.

L’album lui propose huit morceaux de deux à six minutes criées dont un en français sur une musique que l’on pourrait qualifier de post-rock. Oui ça crie, ça hurle même, un chant parlé écorché saisissant qui n’est pas sans me rappeler le groupe The Dali Thundering Concept.

Alors évidemment, amis progheads, le groupe Chalk Hands risque de vous gratter les oreilles. Pourtant Don’t Think About Death mérite vraiment la découverte.

Si on oublie un instant le chant torturé qui occupe tout de même beaucoup d’espace, on s’aperçoit que l’album s’articule autour de guitares post-rock subtiles, quasi pliniesques. Elles offrent une très large palette de nuances et la batterie explosive est d’une rare complexité comme dans le premier titre ‘Fail, Grasp, Restore’.

Si le titre hurlé en français ‘Les jours passent et ne se ressemblent pas’ donne une belle idée de la noirceur des thèmes abordés dans l’album, le dernier morceau ‘The Bridge’, un instrumental de presque six minutes, livre un post-rock cinématique libérateur après presque une demie heure de souffrance à fleur de peau.

Ces deux pièces résument assez bien Don’t Think About Death. Un album court et impressionnant, tant au niveau vocal qu’instrumental.

Certes, si vous n’aimez pas le chant hardcore torturé, vous allez avoir du mal à passer le cap du premier morceau. Mais essayez tout de même, vous m’en direz des nouvelles.

Leprous – Melodies Of Atonement

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Pour moi, Leprous c’est toujours bien, sauf peut-être en live. Je suis particulièrement fan de la voix de son chanteur Einar Solberg, sauf en concert où hélas il tient rarement ses promesses.

La pochette comme les photographies qui illustrent le livret sont de magnifiques images d’organismes unicellulaires prises au microscope électronique. La couverture montre une Rhabdonella spiralis, un organisme large de 50 microns qui est herbivore et brouteur de phytoplancton d’après ce qu’écrit le CNRS à son sujet. Cela ne m’éclaire pas vraiment sur le titre de l’album que l’on pourrait traduire par les mélodies de l’expiation mais bon, c’est très esthétique.

Chaque nouvel album de Leprous apporte quelque chose à leur discographie aujourd’hui bien étoffée. Melodies Of Atonement n’échappe pas à la règle.

Après avoir exploré le métal progressif façon Tesseract, tempéré les mélodies avec une orchestration symphonique, ils reviennent pendant cinquante deux minutes et dix morceaux à un métal prog électro soft où pointent d’autres influences.

Et non, il n’y a plus de cordes ni d’orchestration. Toutefois plusieurs titres risquent de vous interpeller au début avant de rentrer dans la normalité après plusieurs écoutes de l’album.

Quelques épures qui viennent semer le trouble dans Melodies Of Atonement. Des épures où la basse s’impose comme au début de l’improbable ‘Like a Sunken Ship’. Ou bien ce ‘Faceless’ pour le moins jazzy au piano et à la contrebasse où s’invite un solo de guitare bien loin des standards de Leprous sans parler des chœurs quasi gospel de la fin.

Mais rassurez-vous, fidèles à leurs habitudes, ils finissent toujours par pousser les potentiomètres et partir vers le métal. On reconnaît tout même très bien la patte de Leprous avec ses coups de boutoirs, ses claviers électroniques et la voix de Castra en colère.

Par exemple, ‘My Limbo’ à l’écriture nettement plus musclée renoue avec un metal progressif des plus classiques. Après est-ce dû à l’abus d’écoutes ou bien à la fatigue accumulée ces derniers jours, toujours est-il que plus j’avance dans la découverte de Melodies Of Atonement, moins j’entends ses nuances. Tout le contraire du premier album solo de Einar Solberg que je ne regrette vraiment pas d’avoir élu album de l’année 2023.

Il y a quand même des titres géniaux qui m’interpellent à chaque fois. ‘My Specter’ est de ceux-là. Ses subtiles touches électroniques sur la voix plaintive d’Einar contrastent avec le refrain déclamé évoquent parfaitement cette atmosphère nocturne et secrète que l’on retrouve dans les paroles.

‘Self-Satisfied Lullaby’ ne manque pas de m’étonner également à chaque écoute. La musique est pour les moins expérimentale dans les détails tout en restant relativement mélodique et les paroles ressemblent à s’y méprendre à de l’écriture automatique.

Melodies Of Atonement ne figurera pas dans les albums de l’année. Sixteen d’Einar Solberg qui trotte toujours dans ma tête le surpasse de loin. Ça n’en reste pas moins un excellent album que je vous recommande d’autant qu’en l’achetant sur Bandcamp vous obtenez la musique, la pochette et le livret en prime pour vous plonger dans les tourments de son auteur.

Black Bile – L’Oratoire

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C’est encore Alice qui m’a mise sur la piste d’un groupe de métal.

Un groupe français né en 2017 à Lorient où tous les ans à lieu le festival Inter Celtique. Mais ici point de folk, Black Bile joue du post metal à forte composante doom chanté à deux voix et comme dans Dymna Lotva c’est une seule et même personne qui est derrière le micro ce qui me laisse toujours sans voix.

Leur second album, l’Oratoire, sorti en 2023, propose six morceaux de deux à neuf minutes où un growl démoniaque et un chant mélancolique féminin se posent sur un post-metal lent et pesant.

Pour les situer, il y a un peu de Evi Vane ou de Messa pour le chant clair, The Ocean pour le growl et la musique parfois et Shores of Null pour la narration.

La pochette de l’Oratoire est formée de quatre gravures et photographies monochromes empilées représentant un cloître, une abbaye, un arbre mort et une femme nue vue de dos debout sur une sorte de radeau.

Les paroles des morceaux ne vous avancent pas vraiment puisqu’elles ne sont pas présentes sur Bandcamp et que le growl est totalement indécodable. Restent les titres des pistes qui parlent de deuil, d’un athénien prestigieux, d’un oratoire, d’une lamentation et d’un cortège, peut-être funéraire.

Le court ‘In Procession’ débute l’album de manière cinématique. Un peu moins de trois minutes quasi incantatoires sur le chant clair de Romane et qui explosent en post metal avec ‘Bereveament’.

Ce second titre, nettement plus chargé où surgit pour la première fois le growl, possède la violence du post metal et la pesanteur du doom. Durant plus de neuf minutes, il alterne montées en puissance suivies d’accalmies salutaires et même une section électro acoustique épurée.

Le point d’orgue de l’album se situe entre ‘Ephialtes’ et son antithèse. L’Oratoire’ est un des morceaux les plus courts après ‘In Procession’ mais c’est pour moi le pivot de cette histoire

‘A Lament’ qui termine l’album, illustre parfaitement en près de huit minutes l’idée que l’on peut se faire des lamentations, qu’elles soient contenues comme au début du morceau ou hurlées un peu plus loin.

L’Oratoire est un magnifique album qui épouse souvent la forme progressive pour mieux jouer du metal.

Entre The Substance paru en 2020 et L’Oratoire, le groupe a nettement progressé, gagnant en finesse et récupérant au passage un guitariste en la personne de Rémy. Je ne peux que vous le recommander.

Azure – Fym

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Un achat de Stéphane Gallay, une pochette à la Roger Dean, un concept album de fantasy et un style musical proche de Kyros, l’album Fym possédait à priori de nombreux atouts pour me séduire.

Fym, le troisième album du groupe Azure venu de Brighton, est sorti le 23 mai dernier. Un double CD avec douze morceaux dont deux longs formats, le triptyque ‘Sky Sailing’ d’un peu plus de onze minutes et ‘Trench of Nalu’ qui dépasse les seize minutes. De quoi vous occuper quelques heures si vous lui consacrez plusieurs écoutes.

Azure navigue entre rock progressif bondissant, fusion et metal. Un quatuor sans batteur rejoint par quelques invités dont Andrew Scott qui officie derrière les fûts. Le groupe est porté par Chris Sampson qui joue de cordes vocales, acoustiques et électriques, qui écrit les textes et qui est à l’origine de LU, un roman de plus de 300 pages disponible avec l’album pour ceux que cela intéresserait. Et si le bouquin est assez épais, les textes le sont également. Il y a de quoi lire et écouter sur cet album.

En parlant de concept, Fym raconte la quête des fragments d’une arme noire par Fym Sallow, une femme sous l’emprise d’une puissante sorcière.

Pour la proximité avec le groupe Kyros, ne la cherchez pas du côté du prog électro mais plutôt dans les montagnes russes vocales et les compositions très riches qui partent dans toutes les directions.

Alors évidemment, ne comptez pas écouter Fym en faisant la sieste, ça n’est pas possible, l’oreille est sans cesse sollicitée sur cet album avec relativement peu de plages pour se poser, sauf dans le court ‘Moonrise’, mais c’est aussi la fin de l’histoire.

La voix de Chris est tout simplement éblouissante sur cet album, osant presque toutes les acrobaties et capable de monter très haut comme de livrer de beaux hurlements à la limite du scream comme dans ‘Trench of Nalu’. Mais ce sont les guitares virevoltantes de Chris et Galen qui mènent la danse sur cet album suivies de peu par les synthés et le piano de Shaz ainsi que la basse bondissante d’Alex.

La musique, déjà bien remplie de sonorités, s’enrichit encore de mandoline, thérémine, trompette, percussions, hautbois, clarinette, basson et même de piano à queue.

Le jazz fusion rejoint le prog sur plusieurs titres comme dans ‘Weight of the Blade’. Il y a également des choses plus barrées, tout particulièrement dans la première partie de ‘The Lavender Fox’ ou encore quelques passages dans le long ‘Trench of Nalu’.

Ce qu’il y a de certain, c’est qu’avec Fym, vous ne pourrez pas rester dans votre zone de confort très longtemps. Le seul reproche que je pourrais faire à Fym c’est justement qu’il exige une écoute des plus attentive et réclame pas mal d’énergie pour arriver jusqu’au bout parce que 78 minutes c’est quand même long.

Mais bon, si vous êtes habitué aux albums de Yes, Kyros ou de Machine, vous devriez survivre sans problème. Donc je vous recommande chaudement cette découverte, sur Bandcamp par exemple.

Lazuli – LORELIVE

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Le groupe Lazuli vient de sortir un nouveau live. Enfin vient de sortir, disons qu’il est arrivé un peu plus tard que prévu à la maison grâce aux bons soins de la Poste. En fait, le premier exemplaire n’est jamais arrivé et Domi a eu la gentillesse de m’envoyer un nouvel album il y a quelques jours.

Ce live a été enregistré en 2022 au festival The Night of The Prog à la Loreley qui hélas cette année fermait ses portes avec justement la participation du groupe garrois. Un festival auquel je n’ai jamais assisté, je l’avoue, principalement parce que je suis un gros feignant.

Le Lazuli Lorelive est un CD accompagné de son DVD. Treize titres audio et seize en vidéo (on trouve en plus ‘Déraille’, ‘Homo Sapiens’ et le générique de fin) donnent la part belle à l’unique concept album du groupe, à savoir le magnifique Fantastique Envol de Dieter Böhm paru deux années auparavant.

Pantalons et tee-shirts noirs, les cinq compères pourraient presque sembler en uniforme si deux rebelles ne soulignaient leur différence : Romain portait un pantalon rayé et Arnaud des socquettes oranges.

Même si ce n’est pas la première fois qu’il se produisait dans le célèbre amphithéâtre, le groupe sans doute pas aussi détendu qu’à l’ordinaire face à une telle audience et ce temple mythique du prog, a un peu de mal à occuper la scène. Seul le petit nouveau, sans doute inconscient du danger, aura l’audace de se livrer à un solo de guitare devant la foule enthousiaste. Dominique descendra tout de même dans l’arène à la rencontre du public en liesse où j’ai reconnu au premier rang quelques habitués de Chez Paulette.

Arnaud s’offre quelques moments de bravoure à la guitare comme dans ‘Mers lacrymales’ et Romain joue au Gonzo du Muppet Show avec son cor de chasse dans ‘Les sutures’. Il n’y aura pas le traditionnel marimba à neuf mains pour clôturer ce live, pourtant l’instrument trône bien au fond de la scène et Vincent viendra en jouer pendant que Romain massacrera la batterie de manière enthousiaste. Dominique s’essaie à quelques mots en allemand aussi maîtrisés que son anglais de franchouillard mais cela suffira à galvaniser le public de la Loreley.

Quand on parle de DVD, on parle aussi d’images. Le concert se jouait avant la nuit tombée et donc, pour ce qui est des éclairages ce n’était pas vraiment un feu d’artifice. Visuellement, même dans la petite salle de Chez Paulette ça fonctionne mieux. Par contre les caméras s’efforcent de varier les plans pour rendre vivant un show assez statique et au final on ne s’ennuie pas.

Le public se manifeste souvent pendant l’enregistrement, nous rappelant qu’il s’agit bien d’un live. Mais si vous aviez un doute, les versions revisitées pour l’occasion de certains morceaux devraient vous mettre la puce à l’oreille. Lazuli est en concert et faute de pouvoir raconter quelques anecdotes à la foule, le groupe s’offre quelques libertés sur les versions enregistrées en studio et ça n’est jamais pour me déplaire.

Ce chouette live n’est pas forcément indispensable sauf pour les fans de Lazuli dont je fais partie. Par contre, ce CD et DVD constituent un magnifique souvenir pour ceux qui étaient présents cette année-là au festival.

Il m’a donné furieusement envie de les revoir pour de vrai ce qui devrait se produire le 20 octobre prochain au Z7 pas loin de Bâle en Suisse.

Piah Mater – Under the Shadow of a Foreign Sun

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Comme vous allez le constater, je reviens à une période plutôt forgeronne. Il faut dire que maintenant, lorsque je lance Bandcamp sur mon navigateur web, le portail s’ouvre sur la page des albums les plus écoutés avec des filtres permettant de sélectionner les genres. J’ai cliqué sur Metal, puis Metal Progressif pour faire bonne figure et je suis tombé sur plein de groupes totalement inconnus. Du coup j’ai commencé à parcourir la collection de ces trésors avec avidité.

Le premier album qui m’a chatouillé les oreilles est Under the Shadow of a Foreign Sun sorti le 5 juillet de cette année.

C’est le duo brésilien composé de Luiz Felipe Netto et de Igor Meira qui est derrière le groupe Piah Mater.

Mais sur cet album de nombreux musiciens jouent avec eux : Louan Moura à la basse, Pedro Mercier à la batterie et onze autres artistes invités dont Isadora Melo au chant et Jorgen Munkeby au saxophone.

Under the Shadow of a Foreign Sun propose seulement six morceaux mais deux d’entre eux dépassent les dix minutes et trois autres les huit minutes. Sorti de court instrumental ‘Macaw’s Lament’ qui coupe l’album en deux, il y a donc matière à écouter.

Piah Mater joue un metal progressif dans la veine d’Opeth surtout pour ses guitares et claviers vintages agrémenté de growl, de chant clair et d’influences brésiliennes appuyées comme sur ‘Canicula’, le dernier titre chanté en portugais par Isadora.

Outre ces caractéristiques, il faut noter le jeu de batterie de Pedro Mercier façon percussions tribales sur ‘As Island Sink’ par exemple et le côté jazz fusion du second morceau ‘Falllow Garden’ avec le saxophone de Jorgen.

Un autre point à souligner ici, c’est qu’il s’agit d’un concept album de fin du monde où le réchauffement climatique engloutit les îles et provoque une terrible canicule.

Alors malgré le titre traduit librement par mes soins “A l’ombre d’une étoile étrangère” et une pochette médiévale fantastique, je ne peux qu’y voir un parallèle avec la situation actuelle de notre planète, la Terre. Bon il est possible aussi que je n’ai rien compris à l’histoire, ce ne serait pas la première fois.

Quoiqu’il en soit l’album possède un indéniable côté épique avec une forte composant story telling qui n’enlève rien à la dynamique de la musique. Le chant clair en contrepoint du growl semble crier sa souffrance quand le mal exprime sa violence par la voix caverneuse.

Je trouve Under the Shadow of a Foreign Sun parfaitement équilibré, captivant de la première seconde à la dernière, riche en atmosphères, du black metal, au jazz en passant par la musique brésilienne.

Un très bel album, qui va rentrer dans ma sélection de l’album de l’année 2024.

Alors allez l’écouter d’urgence.

Violet Cold – Multiverse

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Ne me demandez pas pourquoi c’est aujourd’hui que j’écoute Multiverse de Violet Cold. Disons que les voix du saigneur sont impénétrables. Stéphane Gallay l’avait chroniqué l’an passé et Alice l’a rappelé à mon bon souvenir il y a peu en l’achetant sur Bandcamp.

Et comme depuis quelque temps j’écoutais du mou pour chat, j’ai eu envie de revenir à une cuisine plus épicée, en l’occurrence du post metal cinématique avec growl s’affranchissant des genres. En d’autres termes, du metal bizarre.

De l’électro folk cinématique ténébreux gueulé pendant quarante minutes. Voilà ce qui vous attend avec Multiverse.

Derrière le chant satanique vous pourrez entendre un flûte ou du piano débordé par un gros riff et une batterie trépidante. sans parler des douces mélopées d’une chanteuse. Un peu black post metal en cure thermale, Vangelis en colère, oriental décomplexé, Violet Cold n’est pas à proprement parler violent si on tolère le growl. En réalité, la musique, riche d’influences est mélodique à souhait.

Le groupe affirme venir de l’Antarctique, mais à moins qu’ils ne fassent partie d’une bande d’hurluberlus passant un hivernage à Mcmurdo, j’ai des doutes. Certainement une manière pour eux d’échapper à toute nationalité.

Autre bizarrerie, les huit morceaux disponibles en édition digitale ne sont pas les mêmes que ceux présents sur le vinyle qui diffèrent eux aussi de la version CD. Bref c’est carrément barré tout ça d’autant que l’on ignore qui joue, qui chante et qui gueule dans cet album.

Les métalos pourraient reprocher à Multiverse de manquer de mordant malgré le chant crié. Il est vrai que l’électronique, les instruments acoustiques et le chant éthéré qui hantent les morceaux adoucissent beaucoup la morsure du growl. Mais c’est ce qui rend cet album accessible à un très large auditoire.

Les morceaux, sans se répéter, forment un ensemble très cohérent d’où j’ai du mal à dégager une préférence. Il y a tout de même ‘Calliope’ qui se détache de l’ensemble. Il pousse les curseurs folks nettement plus loin que les autres pièces de l’album et ‘Ein Langer Weig’ en version longue explore un peu plus l’aspect post rock de cet album.

Multiverse est un peu inclassable mais que vous soyez un metaleux, un prog head ou bien un amateur de post truc, je vous recommande la découverte de cet album que je trouve pour ma part magnifique.