Archives de catégorie : musique

Fallujah – Xenotaph

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Je vous propose un voyage en Irak dans la tristement célèbre ville de Fallujah. Bon, je ne suis pas ici pour vous parler de la chute de Saddam Hussein ou bien des supposées armes de destruction massives inventées par Colin Powell.

Fallujah est aussi le nom d’un groupe de métal progressif américain qui existe depuis une dizaine d’années et qui possède quatre albums à son actif. 

Alias a chroniqué leur travail à maintes reprises, mais c’est le moteur de recherche de Bandcamp qui m’a fait découvrir leur dernier album Xenotaph sorti le 13 juin dernier.

Xenotaph ce sont huit titres de trois à sept minutes pour près de trois quarts d’heure de metal progressif à deux voix où le growl est très présent.

La pochette n’est pas étrangère à mon choix, elle m’a tout de suite tapé dans l’œil. Un artwork qui reprend les codes du précédent album Empyrean, que j’ai également écouté par curiosité.

Fallujah joue d’un metal prog très technique qui part dans toutes les directions et où chant clair et growl se disputent le temps de parole. Cela n’empêche pas leur musique d’être ciselée et extrêmement mélodique contrairement à Empyrean qui était nettement plus brutal. Mais clairement, c’est la grosse voix qui l’emporte ici et c’est peut-être ce qui m’a rebuté la première fois. Xenotaph, écartelé entre une bonne dose de violence et de mélodie, convenait assez bien à mes humeurs caniculaires.

La musique se construit sur des guitares à la Plini, des claviers à la Jordan Rudess et une rythmique djent qui part dans toutes les directions. Les rivages paisibles de cet album ressemblent plus au Cap Horn en pleine tempête et les quarante-deux minutes de traversée pourront sembler très longues à qui soufre du mal de mer.

Les ouvertures sont souvent mélodiques, rapidement submergées par le growl, et de temps en temps, la batterie s’apaise et du chant clair vient tempérer les ardeurs du métal. Mais soyons honnête, cela ne dure jamais très longtemps. Ici, pas de pièce acoustique entre deux charges de djent pour souffler quelques minutes avant de se faire à nouveau tabasser. Du coup, au bout de trois quarts d’heure de ce traitement, je suis à chaque fois lessivé et essoré.

Pour un album court, je le trouve vraiment très long., sauf les jours où je suis survolté. N’empêche, Xenotaph est une belle machine de guerre, un monstre d’énergie débridée, le tout servi par une technique chirurgicale et des contrastes vocaux impressionnants.

Je le recommande au plus métalleux d’entre vous ou bien pour les jours où vos voisins vous tapent sur les nerfs.

Et si vous voulez écouter du metal, vendredi 18 juillet à Selestat, il y aura une nuit consacrée au Pagan avec à l’affiche Primordial, Saor, Can Bardd et d’autres. D’ailleurs, si quelqu’un y va depuis Strasbourg, je cherche un covoiturage…

La fin des dinosaures

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L’amateur de rock progressif français est une espèce en voie d’extinction qui appartient au troisième âge. Il parle plus de sa prostate que du dernier album de The Flower Kings. Tous ses tee-shirts XXL possèdent une étrange déformation au niveau du nombril que l’on nomme communément le bébé houblon. Il écoute principalement des artistes anglophones mais ne comprend pas un traître mot de la langue de Shakespeare, de toute manière il est à moitié sourd.

Le proghead béret braguette est fidèle en amour. Il n’admettra jamais que son groupe fétiche pourrait avoir commis un jour une bouse. C’est également un intégriste qui chante le Genesis en latin. Il n’écoute que du prog, décliné sous toutes ses formes, rétro-prog, canterbury, prog symphonique, post-rock, doom, métal -prog, psychédélique, stoner, jazz-fusion, space-rock, cinématique, néo-prog, zeuhl, hard-rock… attention, c’est pointu !

Chaque année il part en croisière avec ses potes et ses artistes adulés pour des heures de concert, d’autographes et de bain de soleil. Pour peu que le navire croise un iceberg, le rock progressif, qui se fait déjà bien rare, disparaîtrait définitivement de la scène musicale.

Il se rend à de nombreux concerts partout en Europe en déambulateur, mange dans des restaurants étoilés et dort dans des hôtels confortables. Car il est vieux donc il a les moyens. Il se plaint quand même du prix du compact disk et des vinyles de temps en temps, il faut dire que le digital, il ne connaît pas et qu’il s’offre plusieurs albums par semaine.

Dans vingt ans, sans même la chute d’une météorite, ce sera une nouvelle extinction de masse. Celle des amateurs de rock progressif et des artistes qu’ils écoutent. Parce que vu la pyramide des âges, on sera tous bientôt six pieds sous terre.

The Young Gods – Appear Disappear

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The Young Gods est un vieux trio suisse de rock électro indus qui sévit depuis 1985.

C’est en allant au concert de Oh Hiroshima en décembre dernier avec mon ami Seb que j’ai découvert ce groupe de Fribourg. Seb, au volant de son bolide rugissant, écoutait un de leurs albums en musique de fond sur son autoradio, alors que nous avalions les kilomètres sur l’autobahn en direction de Karlsruhe.

J’ai ajouté The Young Gods à la longue liste des formations qui m’intéressent sur Bandcamp et puis, ben, j’avoue, je les ai oubliés. Mais lorsque la plateforme m’a notifié la sortie de leur dernier album Appear Disappear, je n’ai pas hésité une seconde à l’acheter.

L’univers sonore de The Young Gods, oscille entre Noir Désir et Archive. Franz chante en anglais comme en français à la manière d’un Bertrand Cantat qui ne battrait pas les femmes sur les samples d’albums de rock de Cesare et la batterie nerveuse de Bernard. Il est possible que vous entendiez également au milieu des samples quelques notes de guitares jouées par Franz. En fait, il s’agit de samples de ses propres enregistrements de guitare.

Le résultat est une musique électro relativement épurée, fortement rythmée, pas très loin du trip-hop, parfois expérimentale, sur un chant quasi parlé. Autant dire, une musique très éloignée de ma zone de confort.

Avec dix titres, moins de trois quart d’heure d’enregistrement, et la plus longue pièce qui n’atteint même pas les sept minutes, on est très loin du format progressif.

J’y retrouve pourtant dans ‘Hey Amour’ chanté en français, un petit côté Anoraknophobia de Marillion mais aussi l’esprit du Live au Presbytère de Grandjacques dans ‘Tu en as mis du temps’ ou encore la world music de Peter Gabriel sur ‘Intertidal’. Alors difficile de ne pas accrocher avec toutes ses références mises bout à bout.

Si les trois titres chantés en français ont un peu ma préférence avec leur air de Noir Désir électro, sans parler du fait que je comprends les paroles sans faire trop d’effort, je dois reconnaître que le titre album ‘Appear Disapear’ est celui que je prèfère. C’est pourtant une petite pièce de moins de trois minutes au texte minimaliste. Mais son côté tribal indus électronique déchiré d’arcs électriques de guitare me fait dresser les poils des bras à chaque écoute.

Appear Disappear est un excellent album qui m’a sorti de ma routine progressive. Alors soyez curieux, allez y jeter une oreille, vous pourriez adorer si vous ne les connaissez pas déjà. J’espère pouvoir les voir en live un de ces quatre. D’après Seb, c’est une expérience assez unique.

AVKRUST – Waving at the Sky

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En 2023, je suis tombé sur le premier album d’un groupe norvégien qui se prenait pour Porcupine Tree. Ils remettent le couvert cette année avec Waving at the Sky, un disque de trois quarts d’heure et sept morceaux dont un final de plus de douze minutes.

Si The Approbation m’était apparu comme un quasi cover Porcupine Tree, le moins que l’on puisse dire, c’est que Avkrvst a pris ses distances avec la bande à Wilson pour composer son second opus. Et pour moi, c’est toujours une bonne nouvelle.

The Avkrvst joue un rock metal progressif alternatif à chant clair avec quelques poussées de growl qui arrivent toujours un peu comme un cheveu sur la soupe.

Sans renoncer à la guitare wilsonnienne et parfois à la rythmique de Porcupine Tree, Waving at the Sky possède également un côté expérimental à la Radiohead comme dans ‘The Trauma’ ou ‘Conflating Memories’ et joue beaucoup plus de claviers symphoniques que par le passé.

L’album s’ouvre sur ‘Preceding’, un instrumental de trois minutes aux voix enregistrées qui se poursuit encore dans ‘The Trauma’ pendant plus de deux minutes avant de laisser place à un chant à la Tom Yorke. Ces deux morceaux et le titre album ‘Waving at the Sky’ constituent à mon avis les temps forts du dernier disque de Avkrvst. Ce sont aussi les pièces les plus instrumentales de l’album.

Mais rassurez-vous, le reste est également très bien.

C’est sur ‘The Trauma’ que se pointe le premier growl rocailleux de Waving at the Sky. Comme dit plus haut, il arrive à brûle-pourpoint et j’aurai pu m’en passer sans problème.  Je ne suis pas certain que cela apporte grand-chose à la musique. Celui qui émaille ‘Families Are Forever’ est nettement plus percutant et souligne, si besoin était, que l’album ne parle pas de petites fleurs, mais poursuit le sombre récit entamé dans The Approbation.

Waving at the Sky ne figurera probablement pas dans mon top de l’année mais il constintue néanmoins une bonne surprise, et si le groupe continue sur cette voie, le prochain Avkrvst devrait être un très bon cru.

J’ai oublié de mentionner, pour les fans du groupe Haken, que Ross Jennings chante aux côtés de Simon sur le titre ‘The Malevolent’. Cela reste relativement anecdotique pour moi, d’autant que j’ai pas mal déroché de Haken depuis pas mal d’albums, mais j’imagine que certains s’achèteront Waving at the Sky rien que pour cette brève apparition.

https://youtu.be/9XjfH4qFPLw

Un week-end ordinaire

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Certaines personnes angoissent à l’idée de se retrouver brutalement à la retraite sans activité pour occuper le temps libre. Pas moi. J’attends cette échéance avec impatience car mes week-ends sont toujours chargés. 

Depuis quelques années je travaille 4,5 jours par semaine. Avec les heures supplémentaires effectuées lors des déplacements, j’arrive assez régulièrement à ajouter une demi-journée de loisir à ma semaine. La fameuse semaine de quatre jours dont un de télétravail qui me laisse trois autres journées pour vaquer à mes loisirs.

Jeudi soir, vers 21h, je partais en montagne pour une nouvelle nuit d’astro photographie. Après sept heures passées sous les étoiles, je retrouvais mon lit à 4h du matin. À 9h j’étais sur l’ordinateur pour traiter plus de cinq heures d’acquisition sur NGC 6888 à l’aide du logiciel Pixinsight.

Après une sieste salutaire, je partais en compagnie de mon épouse pour une audition de musique de chambre où elle était accompagnatrice. Evidemment, j’avais emporté un appareil photo pour immobiliser ce concert. A 20h nous nous retrouvions avec les musiciens dans une brasserie du centre-ville à discuter à bâtons rompus de musique, de projets et de photographies. À 23h30, je retrouvai enfin mon lit.

Le lendemain matin, j’étais de nouveau assis devant l’ordinateur pour trier et  développer les 150 photographies de la soirée. L’après-midi, alors que le soleil faisait bouillir le mercure, je profitais d’une nouvelle sieste à l’ombre en préparant un billet de blog. J’enregistrais également la vidéo de Cosmograf et réalisais son montage avant de la mettre en ligne avec la chronique sur le blog. 

Le soir, nous partions vers Saverne pour la Fête de la Musique où une flûtiste, qui joue avec ma chérie, assurait la première partie d’un concert dans une église. Nous retrouvions là bas des amis de longue date pour une soirée musicale arrosée plus ou moins improvisée. Mon appareil photo me suivait encore une fois, pour immortaliser les flûtistes baroques et le chœur du Bon Tempérament qui revisitait des chansons des Frères Jacques. À 1h nous retrouvions la couette douillette pour quelques heures de sommeil avant le retour de la canicule.

Enfin le dimanche, plus où moins bien remis de la veille, alors que l’air frais (21 degrés) circulait encore dans la maison, je triais les photographies de la veille avant de les envoyer à l’ensemble du Bon Tempérament.

Il me restait encore un article à préparer et trois photographies à sélectionner pour remplir ma semaine médiatique. L’après-midi était terminée, il fallait se préparer à passer une nouvelle semaine de travail avant le prochain week-end qui s’annonce à nouveau intéressant.

L’équation de Drake

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L’équation de Drake, inventé par Frank Drake en 1961, vise à estimer le nombre de civilisations extraterrestres avec qui nous pourrions entrer en contact.

Je vais vous proposer une nouvelle version de cette formule, afin d’estimer le nombre d’extraterrestres vivant aujourd’hui sur Terre comme ceux du film Men In Black ou bien de la série V.

Commençons par la première variable d’ajustement, le nombre d’êtres humains sur Terre. Pourquoi ce nombre ? Parce que tout le monde le sais, les extraterrestres se cachent sur notre planète en prenant l’apparence de l’espèce dominante, les humains. Vous n’avez pas regardé la série Les Envahisseurs avec David Vincent ?

Donc notre première variable P est de 8,000,000,000 à la louche. Ça en fait du monde.

Mais parmi les humains, combien sont des extraterrestres ? Déjà nous devons éliminer les femmes de l’équation, les aliens ne se cachent jamais dans le corps d’une femme. C’est beaucoup trop contraignant. Il n’y a que dans des films comme La Mutante que l’on fait croire ce genre d’inepties. 

Notre seconde variable d’ajustement S est donc 1/2 car il y a autant de femmes que d’hommes sur Terre, sauf en Chine suite à la politique de l’enfant unique.

Tous les aliens restent connectés à Internet 24 heures sur 24 pour communiquer entre eux. En effet leurs pouvoirs télépathiques sont fortement perturbés par la bêtise humaine qui parasite les ondes. D’après les statistiques, environ 70% de la population mondiale possède un accès à Internet. C’est notre troisième variable I qui a la valeur 7/10.

Les extraterrestres n’écoutent pas de musique contrairement à 90% de la population, ils écoutent du rock progressif, ce qui n’est pas la même chose notez bien. Il s’agit en effet de la seule construction sonore assez complexe pour chatouiller leur intellect évolué. C’est la variable M égale à 1/10. N’oublions pas que les amateurs de rock progressif ont presque tous plus de 50 ans. Et 30% de la population mondiale a plus de 50 ans. Voici notre nouvelle variable A qui est égale à 0.3.

Les aliens sont tous francophones, car il s’agit de la langue à l’orthographe la plus difficile à maîtriser, un challenge de plus pour nos aliens exilés. C’est la variable L. Les francophones représentent seulement 4% de la population, en forte baisse depuis la fin des colonies. Quelle misère !

Les extraterrestres vivant sur terre n’espèrent qu’une chose, quitter notre planète parce qu’elle est polluée et que son atmosphère sent les produits chimiques. Nous on appelle ça la chlorophylle. Du coup ils scrutent sans cesse le ciel avec des télescopes pour surveiller l’éventuelle arrivée d’un vaisseau mère. Et les astronomes amateurs ne représentent en France que 0,07% de la population. C’est la variable O. 

Les aliens lisent de la science-fiction, ça les fait mourir de rire tellement les récits sont absurdes. 86% des français lisent des romans et 82% d’entre eux lisent de la SF. C’est notre variable F égale à 0.7. 

Enfin les extraterrestres qui possèdent des matériaux rares en grande quantité, vivent très au-dessus de l’humain moyen. Ils rentrent tous dans le club très fermé des 1%, c’est à dire ceux qui possèdent plus de 1,8 millions d’euros de patrimoine brut. C’est notre dernière variable d’ajustement R qui est égale à 0.01.

Voilà, nous y sommes. Le nombre d’extraterrestres N se calcule ainsi avec l’équation Drake Le Brun :

N = P x S x I x M x A x L x O x F x R 

Il existe un moyen mémo technique tout simple pour se souvenir de la formule, c’est celui-ci : Forma Slip.

Quant au résultat théorique de cette équation, N égal à dix-sept.

Oui, l’équation Drake Le Brun prédit la présence sur Terre de seulement dix-sept extraterrestres cachés au milieu des huit milliards d’autres habitants. C’est peu. Ils pourraient être les rescapés d’un crash de vaisseau spatial, mais ce ne sont que des conjectures.

Ce qui est beau, c’est que la prédiction de l’équation Drake Le Brun est confirmée par l’observation. En moyenne, le blog Neoprog.eu reçoit un petite vingtaine de visiteurs par jour. Et ce blog parle principalement de rock progressif, d’astronomie et de science-fiction. Tous ses lecteurs sont donc des aliens.

Si vous ne vous reconnaissez pas dans cet échantillon, c’est certainement à cause de la dernière variable. Celle des 1%. Mais je ne suis pas dupe. Je sais bien que vous trichez lors de votre déclaration de patrimoine…

Cosmograf – The Orphan Epoch

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D’ordinaire je tombe amoureux d’un album de Cosmograf sur deux. Ne me demandez pas pourquoi, je serais bien en peine de vous l’expliquer. Après avoir adoré Heroic Materials, je m’attendais donc naturellement à bouder son successeur, The Orphan Epoch. Mais il n’en est rien, bien au contraire. 

Le nouveau Cosmograf propose 47 minutes de musique réparties en sept morceaux. Et s’il m’a probablement séduit, c’est qu’il est très différent de son prédécesseur. 

Tout d’abord ce n’est pas un concept mais plutôt un billet d’humeur. Un appel à la désobéissance, un coup de colère.

C’est Kyle Fenton (Steve Thorn, The Arrival, MUS3), un habitué de Cosmograf, qui joue derrière les fûts, pour le reste, Robin joue de tous les instruments, sorti du saxophone de Peter Jones (Tiger Moth Tales).

La pochette n’est franchement pas vendeuse. Elle possède un petit air de Anoracknophobia avec son bonhomme gribouillé sur une route recouverte de mots dans des cadres de couleur.

Musicalement parlant, on retrouve bien sur Pink Floyd de la période The Wall avec le titre ‘We are the Young’ et ses dix minutes qui évoquent les amis d’enfance. Mais il y également des choses nettement plus rugueuses comme le titre d’ouverture où Robin durcit la voix comme jamais après une magnifique ouverture au piano façon Sheller en Solitaire pour ceux qui connaissent ou bien ce motif de guitare folk façon Alan Stivell.

Et puis il y a ‘Séraphin Reels’ qui allie des touches à la Marillion et des soli de guitares agrémentées de saxophone joué par Peter Jones. Et n’oublions pas ‘King and Lords’ au final furieusement rock.

Alors vous me direz, saxophone, guitares, Marillion, Pink Floyd, voire Bowie sur le dernier titre, tout cela ressemble furieusement à du Cosmograf. Ben oui, mais non. 

Pourquoi ? Sans doute parce que l’album n’est pas un concept, que la musique n’est pas cinématique pour une fois et qu’il arrive que les guitares remuent la boue au lieu de tutoyer les éthers.

Mais si vous voulez retrouver le Cosmosgraf que vous connaissez bien, écoutez ‘Empty Box’ qui est certainement le morceau qui se rapproche le plus de ce que l’on attendrait d’un Robin Armstrong. Du mélancolique au chant doux qui hurle sur un solo de guitare stellaire. Oui mais voilà, c’est un peu l’exception de l’album.

Je préfère l’album Heroic Materials à The Orphan Epoch, certainement parce que c’est du Cosmograf tout craché. N’empêche, le dernier Robin Armstrong est un bon cru qui nous sort un peu de notre zone de confort. Donc je vous invite vivement à aller l’écouter, par exemple sur Bandcamp.

Mostly Autumn – Seawater

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Je sais, je sais, j’avais écrit que je ne chroniquerai pas le dernier album de Mostly Autumn. Mais il n’y a que les imbéciles qui ne changent pas d’avis.

J’ai été les écouter en concert Chez Paulette, et ça été une belle soirée. Alors, un soir, je me suis replongé dans cet album qui m’avait laissé relativement indifférent, et j’ai aimé ce que j’ai écouté. Alors aujourd’hui, j’ai finalement décidé de vous présenter Seawater.

L’album dure plus d’une heure et quart avec dix morceaux dont le dernier, ‘Seawater’, qui approche les vingt minutes.

Mostly Autumn oscille entre prog symphonique et musique folk ce qui suffit à justifier la présence de Troy Donockley (Nightwish) sur les deux premiers titres de l’album, ‘Let’s Take a Walk’ et ‘Why Do Remember All the Rain’.

L’album s’ouvre et se conclut par des chants d’oiseaux, et entre les deux, parle de nostalgie (‘My Home’) et colère (‘Seawater’).

Je ne suis pas forcément fan du timbre d’Olivia lorsqu’elle pousse ses cordes vocales dans ses retranchements comme dans ‘If Only for a Day’, cependant il faut reconnaître qu’en live elle fait vraiment bien le job. Je me demande même si je ne la préfère pas en concert, sans tous les artifices de l’enregistrement studio.

Les guitares de Bryan et de Chris sont la clé de voûte de Mostly Autumn et les claviers de Iain les piliers du groupe. La batterie est sans doute leur point faible. On ne peut pas dire qu’elle brille par son côté progressif. Elle sonne clairement plus comme les musiques de fêtes foraines, écoutez ‘When We Ran’ pour vous en convaincre. Disons que je n’aime pas.

Comme dit plus haut, Seawater navigue entre ballades folk comme ‘Let’s Take a Walk’ et prog symphonique à la manière de ‘Seawater’ sur le duo vocal que forment Olivia et Bryan.

Si l’album dure plus de soixante quinze minutes tout de même, je ne lui ai pas trouvé de longueurs et il m’est arrivé de l’écouter trois fois d’affilée dans la même après-midi. Le dernier morceau ‘Seawater’, du haut des ses vingt minutes, est bien entendu le point d’orgue de l’album. Déjà sa durée en fait une pièce d’exception, ensuite, il s’agit d’un titre avec de grandes sections instrumentales et soli de guitares à tomber par terre. Enfin il y a le texte qui nous parle d’une vague géante qui engloutit toutes les misérables créations humaines sur cette Terre pour la purifier de notre espèce qui n’a pas su saisir sa chance lorsqu’il était encore temps.

Malgré quelques défauts, qui ne gênent peut-être que moi (le chant et la batterie), Seawater est un album dont je suis finalement tombé amoureux à force de l’écouter, à tel point que je regrette de ne pas l’avoir acheté en édition physique lors du concert de Mostly Autumn Chez Paulette. Parfois, pour rentrer dans certains albums, un certain temps est nécessaire.

Morteville – Mourir est Vivre

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Ceci est une chronique de copinage, soyez prévenus. Yann, un nouveau membre de l’association d’astronomie que je fréquente, a dit un jour qu’il jouait dans un groupe.

Vu sa stature et son look, j’ai demandé : métal ? Il a répondu : Yes !

C’est ainsi que j’ai découvert Morteville et leur premier album Mourir est Vivre sorti en 2024. Morteville est un groupe de black death metal progressif de Nancy né pendant le confinement. Je précise tout de suite, pour les âmes sensibles, si vous n’aimez pas le scream, passez votre chemin, parce que ici, ça gueule, mais en français s’il vous plait.

Je ne vous cache pas que Yann, je le déteste. Non content d’être l’astronome amateur qui a découvert la bande d’oxygène flottant au-dessus de la galaxie d’Andromède, un jour en 2022 où il ne savait pas quoi photographier, il joue en plus dans un groupe de métal.

Depuis sa découverte, lui et son équipe travaillent en collaboration avec des chercheurs. Ils ont photographié de nombreux autres objets inconnus dans des zones du ciel pourtant abondamment étudiées par les astronomes.

En fait, Yann, je le déteste, mais je l’aime bien quand même. Il met un cœur charitable sur mes astro-photos minables lorsque je les poste sur WhatsApp. En plus il est très sympa.

Mais revenons à Mourir est Vivre. Il s’agit d’un album huit titres de moins d’une demi-heure sur lequel le chanteur bousille ses cordes vocales sur presque tous les morceaux sorti de l’instrumental ‘Ciel’. Chochottes s’abstenir.

La musique de Morteville, s’apparente au métal, mais également au post-rock. Une musique dominée par les guitares parfois mandolines et une batterie qui cogne sans répit. En tendant l’oreille, vous entendrez aussi des claviers dans ‘Ciel’ mais certainement pas un orgue Hammond joué par John Lord.

Les paroles sont des poèmes noirs où ne pointent jamais l’ombre de l’espoir. Donc si vous êtes déprimé ou bien en colère, prenez des médocs avant de lire les textes.

C’est quand même très énervé. Le phrasé et le scream du chanteur me rappellent beaucoup un autre groupe français, The Dali Thundering Concept que j’avais chroniqué pour l’album All Mighty, Men – Drifting Through a Prosthetic Era.

Les trente premières secondes de ‘Cérémonie’ comme la longue intro de ‘Epitaphe’ laissent planer un doute sur la violence de l’album, mais dès que le chant arrive, on comprend que l’on va prendre cher.

Les guitares, qui sonnent de manière post-rock, adoucissent la violence du propos, mais la batterie, qui ne ménage pas les fûts, nous ramène aux fondamentaux du métal sans user pour autant de double pédale. Je préfère ces morceaux qui laissent plus de place à la musique que le très frontal ‘Murmuration’.

Bizarrement j’aime beaucoup ‘Gloire’ qui pourtant ne fait pas dans la dentelle, mais se pose quelques secondes avant de repartir de plus belles. Et le “Gloire, la gloire” scandé dans les premières secondes est du plus bel effet pour ouvrir le morceau.

Je n’écouterai pas Mourir est vivre en me rasant le matin de peur de me couper, mais la musique de Morteville conviendra à certaines de mes humeurs belliqueuses. Donc si vous aimez le métal et le scream, aller écouter l’album sur Bandcamp, il est à prix libre.

La nuit au musée

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Une fois par an, le week-end, les musées ouvrent leurs portes la nuit, pour des visites exceptionnelles. Ici pas de Ben Stiller en gardien ou de statues qui reprennent vie, juste une invitation à redécouvrir gratuitement ces lieux culturels. 

Cette année mon épouse penchait pour une visite au musée d’art moderne qui possède une belle collection de peintures contemporaines. J’aurai également penché pour son choix, malgré une petite préférence pour le musée de l’œuvre Notre Dame, mais le destin en a décidé tout autrement. 

L’Orchestre Le Bon Tempérament jouait pour l’occasion au Palais Rohan lors de cette nuit exceptionnelle. Et il cherchait un photographe pour immortaliser le concert. 

J’avais déjà couvert un de leurs concerts et c’est Sarah, la flûtiste de Toïtoïtoï, qui joue également dans l’orchestre, qui m’a sollicité, un peu à l’arrache certes, mais sollicité quand même. Et ça fait toujours plaisir qu’on se souvienne du photographe du concert. Cela signifie que soit, ils n’ont trouvé personne d’autre, soit que mon travail n’était pas si mauvais que ça finalement. Je ne préfère pas savoir quelle est la bonne réponse.

Le Palais Rohan construit au 18eme siècle abrite trois musées dont celui des beaux-arts. Des vastes pièces en enfilade avec de hauts plafonds, décorées de tableaux et meublés façon 18eme. Autant l’avouer tout de suite, photographier des musiciens dans un tel cadre me faisait très envie. 

Me voilà donc parti avec mon barda vers 16h30 pour rejoindre le Palais Rohan à pied et en tram. C’était sans compter sur les footeux qui organisaient leur nuit au musée sur la place d’Austerlitz dans un grand foutoir de fumée, fusées, déguisements, gueulantes et bières. À ce qu’il paraît le Racing a perdu. Bien fait ! Ils n’avaient qu’à pas emmerder le monde. Je suis quand même arrivé à l’heure au rendez-vous en empruntant des chemins de traverses.

Mais voilà, mes rêves de belles salles classiques tombèrent à l’eau en arrivant sur place. L’orchestre allait jouer dans la cour, pas dans la salle de bal avec ses tableaux ou dans la bibliothèque. 

La photographie de spectacle en extérieur, ce n’est pas vraiment mon fort. Le bon côté, c’est que je disposais d’un laissé passer pour circuler librement à peu près partout, des terrasses jusqu’aux salles d’exposition. Et je vous assure, admirer la cathédrale de Strasbourg de nuit du haut de la terrasse du Palais Rohan, ça vaut le détour.

Il y avait cinq animations musicales au Palais Rohan. Un ensemble de cuivres sur la terrasse, l’orchestre dans la cour, un premier ensemble de musique de chambre dans la bibliothèque, un second à l’entrée du musée archéologique et une harpiste dans le salon de musique du musée des beaux-arts. Autant dire que lorsqu’un ensemble terminait de jouer, il fallait se dépêcher pour aller photographier le suivant. 

Je suis habitué à photographier en salle avec des projecteurs, pas aux extérieurs en plein soleil, sauf lorsque je fais du paysage. Mes premières images n’ont pas donné grand-chose, mais vers 21h, lorsque le soleil s’est couché derrière la cathédrale, j’ai commencé à trouver mes marques.

Dans la cour, quatre projecteurs bleus léchaient la façade du Palais Rohan, deux rampes de lumières en terrasse arrosaient la cour, plusieurs lanternes éclairaient les portes et chacun des pupitre des musiciens disposaient d’un lampe LED. Cela suffisait amplement pour jouer avec les lumières et pour éclairer les visages. C’est là que j’ai commencé à réaliser des clichés intéressants.

Les ensembles jouaient à plusieurs reprises dans la soirée, de 19h à 23h, tant et si bien que je savais à quoi m’attendre après un premier tour de chauffe et j’ai pu trouver les bons spots comme ce point de vue plongeant sur l’orchestre du haut de la terrasse. 

Pour une fois j’ai principalement fais des plans de groupe plutôt que des portraits serrés sur les musiciens. Déjà je ne voulais pas gêner les artistes et les spectateurs en leur imposant ma silhouette dans le paysage, ensuite, je me connais, je me serais certainement concentré sur trois ou quatre personnes qui accrochent mieux l’objectif.

L’orchestre présentait au public venu nombreux, des extraits de son répertoire composé de tubes de musique classique. Un orchestre amateur certes mais formé de nombreux élèves du conservatoire qui possèdent déjà un niveau quasi professionnel. Il y avait également un quatuor qui jouait des musiques de films, hélas très mal placé, au bas des escaliers descendant au musée archéologique et face aux toilettes. Dans la bibliothèque du palais jouait un autre quatuor que je n’ai pas eu la chance d’écouter ni photographier, des musiciens aguerris comprenant la première violoniste de l’orchestre. Les cuivres, installés sur le toit sonnaient toutes les heures la marseillaise pour battre le rappel des visiteurs. Ils jouaient également d’autres pièces, mais difficile de les citer ici, je ne connais guère le répertoire des cuivres. Enfin il y avait cette jeune harpiste aussi talentueuse que timide qui livrait un délicieux récital de harpe dans le salon de musique. Les visiteurs, parcourant les salons du palais, s’arrêtaient tous, subjugués par la beauté de la musique et du lieu.

Je suis revenu à la maison vers 23h30 avec un peu plus de deux cents photos et une faim de loup (j’avais oublié de manger). Après un tri sévère, même s’il n’y a pas eu de déchet, je n’ai conservé que 33 images, le ratio habituel lors d’un concert.