Archives de catégorie : musique

Feather Mountain – A Liminal Step

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L’album que je vais vous présenter aujourd’hui aurait pu figurer dans mon top 2025. J’ai même hésité à repousser d’une semaine la publication de mon classement pour vous le faire découvrir. Mais j’avais envie de plus de temps pour l’écouter. 

Le groupe s’appelle Feather Mountain, vient de Copenhague et sort ici, avec Liminal Step, son troisième album depuis 2019. 

Huit titres de métal progressif de deux à sept minutes qui ne sont pas sans rappeler les cadors du genre comme Leprous ou Vola.

Dans Liminal Step le growl et la voix claire se partagent les parties chantées d’agréable manière. Lorsque l’on commence à saturer de sucreries, la râpe amère vient nettoyer les papilles et relancer l’envie de douceurs. Un très bon équilibre pour les personnes qui craignent les hurlements.

L’album nous guide pendant trente-neuf minutes vers la compréhension de nous-même alors que le monde qui nous entoure sombre dans le chaos. Une invitation à plonger dans l’abîme de la vie, dans nos traumatismes et les structures sociales qui nous paralysent, à l’image de la magnifique pochette signée Arie Fasant, cet homme qui fait un pas en avant dans le vide. 

Je vous l’avoue, c’est cette couverture, façon tatouage, qui m’a tout d’abord interpellé. Un personnage sur un éperon rocheux, les cheveux au vent, qui s’apprête à se jeter dans le vide. Cela ne ressemble pourtant pas à un acte désespéré, bien au contraire. 

Le côté enragé de l’album est particulièrement frappant sur les deux premiers morceaux, ‘Sigil’ et ‘Rope Me In’. Dans ‘Lantern’, même si Mikkel Lohmann lève le pied sur growl, il pousse ses cordes vocales dans ses retranchements à la manière d’un Einar Solberg tordu de douleur.

La musique, elle emprunte beaucoup à du cinématique tabassé de djent avec souvent des éléments électroniques. Certains y entendront du Porcupine Tree, du Oceansize, personnellement, je les trouve plus près des danois de Vola, en plus pêchus. 

J’aime beaucoup la grandiloquence du titre ‘Prayer Wall’, un des titres les plus longs avec l’excellent ‘Lantern’ et le final ‘The Hedonist’. Un titre qui mélange B.O. façon Interstellar, électronique et chant clair, choeurs et voix très haute le tout avec une puissance émotionnelle rarement atteinte.

Le bref ‘Grid’ rappelle inévitablement l’ami Wilson dans ‘Arriving Somewhere But Not Here’ avec sa guitare acoustique, ses effets vocaux, cette guitare électrique en second plan ainsi que les sonorités choisies pour les claviers. Le titre semble presque à un hommage au travail de Porcupine Tree.

Si j’avais eu plus de temps, j’aurais chroniqué A Liminal Step en 2025 et il aurait certainement figuré dans mon top de l’année, car je ne m’en lasse pas. Il possède sans doute le défaut de ressembler à beaucoup d’autres albums dans la veine de Vola et Leprous mais c’est tellement bon qu’on leur pardonne.

Je vais essayer de trouver du temps pour écouter ‘Nidus’ sorti en 2019 et ‘To Exit A Maelstrom’ arrivé trois ans plus tard pour voir si j’accroche autant et découvrir l’évolution du groupe depuis ses débuts.

En attendant, je vous recommande chaudement A Liminal Step. A consommer sans modération.

Flaming Row – Keeper Of The Scriptures

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J’ai mis du temps pour vous parler du dernier album de Flaming Row parce que je n’ai tout d’abord pas su tout par quel bout le prendre.

Voyez vous-même, deux CD pour les versions anglaises et allemandes, une heure vingt pour chacune des versions, un audio book et douze titres dont un de plus de dix minutes.

Pour présenter Flaming Row, sachez qu’il s’agit d’une formation allemande que je suis depuis de longues années. Un groupe mené par Martin Schnella et Melanie Mau où l’on retrouve également Marek Arnold.

Et pour cet album Keeper Of The Scriptures, plein d’invités prestigieux. Je ne vais en citer que trois parce qu’ils sont très nombreux et que la chronique ne suffirait pas à les nommer tous. Vous entendrez entre autres Arjen Lucassen, Eric Gilette et Leo Margarit.

Keepers Of The Scriptures est bien entendu un concept album qui nous entraîne dans l’univers des Milles et Unes Nuits. C’est l’histoire de Nita et Meera qui vivent dans la ville de Gandhara, la capitale de Mithila. Lorsqu’une menace inconnue s’abat sur la cité et ses habitants, tous deux doivent se lancer dans un combat pour préserver l’histoire et les écritures de leur civilisation.

Une histoire folk metal progressive avec de nombreux personnages, un peu à la manière des opéras rock de Ayreon. Il s’agit d’ailleurs, d’après ses compositeurs, de l’album le plus métal de Flaming Row à ce jour. Mais ne prenez pas peur, c’est encore moins forgeron que le dernier Arjen Lucassen.

Par contre, c’est long, très long, ce qui m’a tout d’abord découragé de le chroniquer.. En plus, tous les morceaux ne sont pas forcément du même niveau, sans parler du fait que Flaming Row n’avait sans doute pas les moyens de s’offrir les plus belles voix de la scène métal progressive.

Il y a tout de même celle de Josie Ann Mau qui sort du lot. C’est elle qui ouvre l’album avec ce timbre femme enfant légèrement voilé auquel j’ai accroché immédiatement. Il y a également la voix nettement plus puissante de Mélanie Mau qui arrive dès le deuxième titre et qui ravira les fans de la chanteuse.

Parmi mes morceaux favoris, il y a ‘Gandhara’s Legacy’ à l’ouverture orientale sur laquelle la voix innocente de Josie se pose. Un peu plus de quatre minutes principalement acoustiques qui posent le décor de notre histoire, ce royaume où les légendes et traditions sont sacrées.

Le contraste avec ‘The Mesh’, où Glyn Morgan de Threshold joue la méchante créature, est saisissant. Cette fois le métal progressif s’invite pour de bon dans l’histoire, tempéré par les voix de Melanie et Sally Minnear de Celestial Fire. Ce titre de plus de douze minutes tient parfaitement la route de bout en bout, virant même au métal symphonique après avoir joué de l’acoustique.

Malgré la fabuleuse présence Magali Luyten dans ‘An Invisible Bond’, je commence déjà à décrocher, un peu à cause du chant trop haut de Josie sur quelques passages et de l’aspect, hélas très convenu, des soli de guitares de Martin sur ce titre.

Et le morceau suivant ‘Nita – The Keeper’ enfonce le clou même s’il sonne furieusement métal par moment.

‘Meera – The Guardian’ et ‘Mithila’s End’ relancent mon envie même s’ils ressemblent trop à mon goût à du Iron Maiden ou du Ayeron pour faire la différence. Mais soudain, le court instrumental ‘Between Words’, joué à la harpe par Harriet Earis, et qui reprend le thème principal de l’histoire, relance la machine. Il était temps me direz-vous. 

‘Hope For A Miracle’ où Melanie chante avec Andrew Colyer (Circuline) fonctionne à merveille mais c’est le morceau suivant, ‘The Last Stand’ qui va imprimer une nouvelle dynamique à l’histoire. Du métal progressif épique et inventif servi par quatre voix dont celle de Mathias Ruck qui chante souvent avec Martin et Melanie.

Le titre acoustique ‘More Than Words’ arrive juste à point pour alléger la choucroute. Au bout de cinq minutes trente, il vous embarque soudain dans une gigue endiablée au son du violon et du whistle pour laisser place au titre final ‘An Old Legend’ où vous entendrez enfin Arjen Lucassen sur un solo de guitare. Ok, c’est clairement anecdotique mais ça peut faire vendre un album, alors pourquoi s’en priver ?

Keeper Of The Scriptures me semble trop long et souffre d’un ventre mou de plus d’un quart d’heure. Les premières écoutes de l’album ont été relativement laborieuses, n’arrivant pas toujours au bout à chaque essai.

Une fois mémorisé les thèmes musicaux et identifié chacun des personnages présents dans cette histoire, l’écoute est plus aisée et on peut se concentrer sur les passages qui nous plaisent le plus.

Keeper Of The Scriptures est sans doute un album trop ambitieux à la base mais il mérite la découverte, histoire de changer d’Ayeron et cie.

RO1 – Sunder

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Une fois n’est pas coutume, je ne vais pas vous ennuyer avec mes avis douteux sur les cordes vocales. Aujourd’hui, nous allons parler d’un album instrumental, le dernier bébé de Rohan Sharma, intitulé Sunder.

Rohan est un producteur australien qui joue également des claviers et si Sunder ressemble parfois à du Plini, ce sont les synthés qui dominent sur l’album. Des claviers qui jouent du djent, du jazz, de l’oriental, du symphonique pendant un peu plus de quarante minutes et huit morceaux.

Des claviers omniprésents avec toutefois les participations de deux guitaristes (Lulu De La Rosa et Rohan Stevenson) et d’un bassiste (Toby Peterson-Stewart). Et même si vous ne l’entendrez pas forcément, la batterie est programmée par notre claviériste australien.

Sunder qui signifie séparer, à ne pas confondre avec thunder, le tonnerre, est un album festif, solaire, bondissant et relativement varié pour un instrumental.

De temps en temps la musique se pose comme dans le titre ‘Wind Eye’ pour mieux repartir juste après. ‘Polar Opposites’ sonne comme une musique de jeu de plateforme Nintendo sans l’échantillonnage du son en huit bits, bien heureusement. ‘Riveted’ pourrait faire songer à du Dream Theater s’il ne manquait les bêlements de James Labrie et le poutrage inimitable de Mike Portnoy. Quant à ‘Aros’, il possède un côté Vangelis comme dans les quatre-dix premières secondes avant de partir sur une fusion virtuose qui se marie à merveille avec du métal progressif.

Rohan n’en est pas à son coup d’essai puisque depuis 2020 il a sorti trois albums avec Eighteen et Errorist en 2022. C’est d’ailleurs avec ce dernier que j’ai dû connaître RO1 sur les recommandations de je ne sais plus qui, et non, ce n’est pas Stéphane pour une fois, j’ai vérifié.

La pochette m’a également tapé dans l’œil même si j’ai l’impression de l’avoir déjà vu quelque part. Un décor gothique avec une créature inquiétante debout devant un portail dressé sur un rocher en lévitation, le tout sur fond de ciel rouge. Un graphisme que me fait songer à une excellente BD.

Après, est-ce que Sunder raconte une histoire, je n’en ai aucune idée, parce que sans paroles ni même une courte présentation, il est difficile de se faire un avis tranché.

Sunder est un album de métal progressif instrumental centré sur les claviers avec des inspirations très diverses qui pourra vous faire songer à Plini et que je vous recommande chaudement.

An Abstract Illusion – The Sleeping City

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J’ai bousculé tout mon planning prévisionnel pour un album que Stéphane Gallay a présenté il y a peu. Le genre de concept album grand spectacle métal progressif gloubi-boulga que j’adore.

En fait, je connaissais déjà le groupe suédois, pourtant je ne le suivais pas sur Bandcamp, sinon j’aurai parlé de cette merveille bien avant Stéphane. Enfin pas certain, car The Sleeping City est sorti le 17 octobre dernier. Un album d’une heure composé de sept morceaux dont trois de plus de dix minutes.

An Abstract Illusion joue du métal progressif cinématique symphonique avec du growl caverneux, du chant clair, du poutrage, de l’acoustique et tout le reste. Une cuisine grasse et indigeste pour les estomacs délicats. Donc tapissez vos tympans avec du Smecta et bouchez vos oreilles avec deux comprimés d’oméprazole si vous êtes métalo sensible.

La pochette, qui ne m’emballe pas outre mesure avec ses couleurs magenta, représente le Mont Saint-Michel. Vous savez, ce monument que les normands ont volé aux bretons, sans parler du cidre, encore que pour ce dernier, je ne suis pas certain. 

Bref. Au beau milieu de l’abbaye, est creusé une étrange caverne d’où émane une lumière, un truc bizarre qui n’existe heureusement pas dans la réalité, sinon les hordes de touristes prendraient peur, ce qui ne serait au final, pas une mauvaise chose.

Voici donc la fameuse cité endormie dont parle l’album. Oui, parce que The Sleeping City est évidemment un concept album. Une histoire mystico morbide à laquelle je n’ai pas compris grand-chose, mais qui parle bien d’une ville endormie qui s’éveille. Enfin ça, c’est dans le dernier morceau.

Dans The Sleeping City vous allez entendre du growl, du chant clair, du piano, de la double pédale, des violons, du violoncelle, des guitares acoustiques et très électriques, du djent, des claviers à la Vangelis, du métal qui poutre, des choeurs, des voix enregistrées, bref tout un attirail sonore improbable qui écrit une symphonie cinématique des plus réussie.

Karl est franchement éblouissant à la guitare, réussissant à imposer son style au milieu de tous les instruments présents. Robert, très inspiré par Vangelis, maîtrise autant les synthés que le piano, Isak ne ménage pas sa peine sur les fûts et Christian assure vraiment au chant. Et pour couronner le tout, les chœurs et les cordes ne sont pas d’affreux samples mais bien des musiciens qui jouent et qui chantent.

Du coup, au niveau du son, ça en jette vraiment.

Tout un chacun trouvera un passage qui parlera à sa sensibilité dans The Sleeping City. Je ne suis pas certain par contre que tout le monde appréciera l’œuvre dans son entier. Mais, pour moi, cet album est un pur bonheur du début jusqu’à la fin.

Les proghead risquent clairement de tiquer étant donné le fort pourcentage de growl comparé au chant clair et les métalleux risquent de trouver l’album trop prog avec son abondance de claviers.

Je vous recommande tout de même de l’écouter, ne serait-ce qu’une fois, pour voir si entre vous ça peut coller. Et merci à Stéphane pour la découverte.

Greenleaf au Grillen

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Vous le savez sans doute, je ne suis pas stoner. Le groupe Greenleaf ? Connais pas. Pourtant dimanche soir, je suis allé au Grillen à Colmar les écouter.

Alors non, ce n’était pas une invitation du groupe ou du label, je ne fais plus ça depuis longtemps. C’était une proposition de mon copain Seb qui lui, connaît un peu la discographie du groupe.

J’ai consulté mon planning du lundi pour vérifier qu’il n’était pas trop chargé et j’ai dit ok. Ensuite j’ai écouté la musique de Greenleaf avec l’album Revolution Rock. Ben c’était vraiment stoner et je ne suis pas allé jusqu’au bout.

Du coup j’ai demandé une accréditation photo à l’association Headbang qui organise l’événement, histoire d’avoir quelque chose à faire pendant le concert si je n’accrochais pas trop à la musique.

C’est le groupe local Coma qui ouvrait la soirée, un jeune quatuor de stoner français qui essaye de trouver sa place. Bon comme dit plus haut, je ne suis pas amateur de stoner et Coma n’est pas une formation pro. Le groupe manque d’une identité vraiment affirmée comme de charisme en live et je n’ai pas entendu leur fibre psychédélique.

Il arrive que les premières parties de concert soient de belles surprises, là disons le, la demi-heure qu’a duré leur prestation m’a paru un peu longue. Mais ma patience a été récompensée par une bonne bière offerte par Seb !

Après une communication de l’association Headbang et un gâteau d’anniversaire, c’était au tour de Greenleaf de monter sur scène. Et dès les premiers accords de guitare, j’ai su que ça allait être du lourd.

Greenleaf ne joue pas à proprement parler du stoner. Je parlerai plus de hard rock blues à tendance soul, le genre de truc qui prend aux tripes sans se prendre pour autant vraiment au sérieux. Il sera par exemple question d’odeur d’aisselles en fin de tournée.

Tommi, le chanteur, possède une manière bien à lui d’arpenter la scène avec sa démarche voûtée très particulière, sa main droite souvent pointée vers le ciel et ses yeux un peu fou. Il dégage une incroyable énergie comme son batteur, liquide après deux morceaux. Le bassiste est tout sourire quand le guitariste corpulent se cache dans sa tignasse dégarnie. Ils sont furieusement bons et leur musique me semble étonnamment familière tout en restant très éloignée de ma zone de confort. Je ne comprends pas ce qui m’arrive.

Le public est également conquis. Il bouge, danse, reprend en chœur les refrains, l’atmosphère est chaude bouillante. Pendant un peu moins d’une heure et demie, Greenleaf va mettre le feu au Grillen.

Cela peut sembler court mais le groupe ne s’économise pas une seconde. Pendant qu’ils jouent je shoote comme un fou pour essayer d’obtenir la bonne image qui traduira la dynamique de cette soirée, et ce n’est pas facile d’autant que j’ai également envie de bouger avec la musique.

Après deux rappels nos quatre musiciens tirent leur révérence pour retrouver le public au stand de merch. N’ayant ni payé l’essence, ni la bière ni ma place, sans parler du joli cadeau offert par l’association Headbang, je me suis offert leur dernier album en vinyle, principalement parce la pochette est vraiment magnifique. Et bonne surprise, une fois l’euphorie du concert passé, j’ai vraiment aimé ce que j’ai entendu sur la galette.

Merci à Seb de m’avoir sorti un dimanche soir, merci à Headbang qui fêtait ses dix ans et merci à Coma et Greenleaf pour la musique. Ce fut une soirée mémorable.

Photos sous licence CC BY-NC-ND 4.0

Untold Stories – Wind and Memories

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Si vous aimez le rock progressif des années quatre-vingt à quatre-vingt-dix, si vous n’êtes pas allergique à la voix du chanteur de IQ, vous aimerez sans doute le groupe Untold Stories.

C’est tonton Alias qui a recommandé l’album Wind and Memories sur sa chaîne Youtube Radio Erdorin, le classant parmi les meilleures sorties néo progressives de l’année.

Il fallait donc que je l’écoute, même si le dernier Gazpacho risquait de lui faire sérieusement de l’ombre.

Untold Stories est un jeune groupe bulgare né début 2022 qui sort ici son premier album, huit titres de cinq à dix minutes pour près d’une heure de musique dans la plus pure veine progressive qui soit.

Le groupe est un quatuor sans chanteur qui pour son premier album a invité Boil Karaneychev pour tenir le micro. Un Boil qui possède la tessiture fragile de Peter Nicholls, les aiguës de Jon Anderson et un quelque chose de Sting, tout ça de manière assez inégale.

Et disons tout de suite, le point faible de Untold Stories, ben c’est son chanteur invité. Parce que question musique, même si le groupe ne réinvente pas la poudre, leurs compositions tiennent bien la route et la production est à la hauteur du travail.

Un truc que j’aime particulièrement sur cet album, c’est la basse bien détachée d’Alek sur le titre ‘Purple Lake’. La guitare de Daniel fait régulièrement des étincelles, comme dans l’instrumental ‘Faces’ Par contre, je trouve que les claviers de Nikolay manquent d’ambition même si de temps en temps, comme dans ‘Bloody Moon’, il y a quelques bonnes idées. Pour la batterie, Radoslav fait le job, ni plus, ni moins. 

Le morceau qui ouvre l’album, intitulé ‘Broken Light’, m’a donné très envie de découvrir Wind and Memories, justement pour cette écriture prog inventive et un chant oscillant entre Peter, Jon et Sting.

‘Fly Away’ m’a fait songer au groupe Yes des années quatre-vingt, autant dire pas le meilleur, le début de ‘Wind and Memories’ à Saga et un peu plus loin à Genesis, bref pas de doute, c’est du prog, d’autant que la voix de Boil ressemble souvent à celle de Peter Nicholls, tout particulièrement dans ‘Piece of You’ mais en moins bien.

Mais je ne vous cache pas que je finis toujours par décrocher à partir de ‘The Power Of Forgiveness’ qui oublie la forme progressive pour une balade linéaire et barbante avant un rebondissement seventies salutaire à la quatrième minute qui sauve le morceau.

Tout ça pour vous dire que je ne suis pas aussi enthousiaste que Stéphane sur cet album, surtout après avoir écouté le dernier Gazpacho. Mais bon, c’est un premier album et ils peuvent s’améliorer.

Donc n’hésitez pas à y jeter une oreille et à surveiller leurs prochains efforts.

Gazpacho – Magic 8-Ball

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J’imagine qu’il n’est plus besoin aujourd’hui de vous présenter le groupe norvégien Gazpacho propulsé sur le devant de la scène par Marillion en 2004.

Gazpacho a toujours été un mouton noir dans la mouvance progressive avec la voix si particulière de Jan-Henrik et les mélodies très intrigantes des musiciens. Souvenez-vous des albums Night ou Tick Tock pour n’en citer que deux.

Je crois que nous avons tous été surpris par le single ‘We Are Strangers’ sorti le 16 octobre dernier. Cela ne m’a pas empêché de commander leur dernier disque Magic 8 Ball, car si mes débuts avec le groupe n’ont pas été des plus simples, depuis March of Ghosts, je suis un inconditionnel du groupe.

J’imagine que certains fans intégristes ont été traumatisés par la sortie de leur dernier opus, car Gazpacho a clairement décidé de sortir des sentiers battus et rebattus depuis 2002. Mais ne prenez pas peur, vous allez retrouver souvent la forme traditionnelle du groupe dans leur dernier album. N’empêche, assez régulièrement, de petites touches plus mainstream, des bizarreries inattendues, viendront troubler le fan de la première heure. 

Si ‘Starling’ ne devrait pas vous surprendre même s’il s’agit le titre le plus long de l’album, jouant de piano, de violon, de mélancolie et de cette voix si particulière, ‘We Are Strangers’ va mettre à rude épreuve vos convictions. Chant vocodé, touches électros, refrain commercial, batterie nerveuse, difficile de reconnaître au premier abord les norvégiens dans cet OVNI. Il n’y a que le chant de Jan Henrik auquel se raccrocher.

Paradoxalement, j’adore ! Sans doute parce que j’aime mes prises de risque.

Et ‘We Are Strangers’ n’est pas l’exception, même si les morceaux qui suivent apportent leur quota de nouveauté de manière nettement moins frontale.

C’est une guitare, des claviers, une manière de chanter, une écriture plus commerciale, qui vont troubler l’ordre établi. Il y a par exemple un passage de basse/batterie au milieu de ‘Gingerbread men’ que l’on ne voit pas arriver et qui laisse place à une continuation très marillionesque à la manière du titre ‘Montreal’.

Difficile d’ignorer le ‘8-Ball’ très Bouglione où Jan-Henrik descend de presque une octave, dans un registre que je ne lui connaissais pas et qui lui va très bien.

Enfin, que dire du dernier titre intitulé ‘Unrisen’ construit d’une multitude de sonorités étonnantes tout en conservant une très grande cohérence ?

Alors oui l’album Magic 8 Ball va vous déstabiliser lors des premières écoutes, mais c’est pour mieux se faire apprécier. Petit à petit, toutes les étrangetés s’estompent pour devenir la norme. Plus vous avancerez dans sa découverte, plus vous tomberez sur des pépites cachées dans les mélodies et plus vous aimerez cet album.

Il rentre évidemment dans mon top 2025 et je vous invite à l’écouter d’urgence si ce n’est pas encore fait.

Psychonaut – World Maker

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Le groupe Psychonaut n’est pas totalement un inconnu pour moi. Je lui ai déjà tourné autour avec l’album Violate Consensus Reality sans pour autant conclure. Le trio belge de prog psyché né en 2011 vient de sortir World Maker le 24 octobre dernier, un album dix titres d’un peu moins d’une heure, qui me donnait l’occasion de me rattraper.

Le groupe Psychonaut bascule avec déroutante aisance des hurlements à la douceur, du violon à la guitare saturée. Leur musique est autant stoner, psychédélique que progressive, avec un ancrage marqué dans les seventies. Un mélange totalement explosif qui ne laisse pas une seconde pour s’ennuyer. Vous entendrez des influences venues de Tool, Led Zep, Mastodon ou encore Pink Floyd avec tout de même nettement plus de poussées d’adrénaline que les groupes précités.

Stefan De Graef, le chanteur et guitariste du groupe, joue de taping assez halluciné avec sa six cordes comme dans le titre ‘Endless Currents’. Cette technique est clairement pour moi la signature du groupe Psychonaut en plus du côté grandiloquent des compositions. Car en plus de partir dans le chant hurlé assez souvent, Psychonaut donne dans le grand spectacle cinématique, comme dans le morceau ‘… Everything Else Is Just The Weather’.

En plus du trio guitare, basse, batterie, World Maker regorge d’arrangements, voix, claviers, percussions et orchestrations comme dans l’instrumental orientalisant ‘Origins’. La musique s’en trouve fortement enrichie, lui donnant un aspect nettement moins brut de décoffrage que le stoner de base tout en la rapprochant fortement de la mouvance progressive.

World Maker est un concept album empreint de mysticisme. Il parle avec émotion et violence d’une divinité faiseuse de mondes, le « world maker » si vous ne parlez pas anglais. Après, j’avoue ne pas avoir tout compris aux textes qui ne donnent pas vraiment dans l’explicite. Par contre, ils sont magnifiques et écrits comme des poèmes.

Si je devais mettre en avant un seul titre de Psychonaut, ce serait sans doute ‘Stargazer’ qui alterne avec brio poutrage et fragilité pendant pas loin de huit minutes. Il y a du growl, du chant clair à la manière d’Anathema, un refrain à la Steven Wilson, du bon gros metal,de la guitare acoustique limite folk, bref un véritable bento métal progressif.

World Maker est un album tout en puissance mais également d’une grande subtilité avec des passages fragiles et explosifs. Je n’ai pas grand chose de plus à en dire, sorti du fait qu’il rentre de ce pas dans ma petite sélection d’albums de l’année qui a des chances d’arriver dans le trio de tête 2025. Allez l’écouter d’urgence, vous le trouverez sur Bandcamp.

HamaSaari – Ineffable

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Désolé, j’ai trou de mémoire, je ne me souviens plus qui m’a recommandé le groupe français HamaSaari, mais j’ai tout de même ma petite idée sur le sujet, ça doit être moi…

Bon, toujours est-il que j’ai mis leur album Ineffable dans un coin et que j’ai bien noté qu’ils passaient en concert le 22 octobre au P8 à Karlsruhe. J’ai écouté l’album et j’ai pris la route du P8.

Ineffable, sorti en 2023, est leur premier album. Sept titres pour trente-neuf minutes de musique prog/alternative à tendance acoustique. Le prochain arrivera début 2026. Mais HamaSaari est né sur les cendres du groupe Shuffle que j’avais découvert du temps du webzine Neoprog.

Le quatuor joue de guitares, de batterie et de basse. Leur musique me fait penser à des groupes comme Klone, Lag I Run ou encore Wolve. Et si vous avez lu quelques-unes de mes chroniques sur ces groupes, vous comprendrez vite pourquoi j’aime HamaSaari.

Les morceaux sont majoritairement softs avec quelques poussées plus électriques sorti de ‘White Pinnacle’ qui donne clairement dans le metal prog énervé avec même du growl.

Ineffable est un album à l’écriture classique et très originale à la fois. J’en suis tombé amoureux dès la première écoute.

Le chant clair un peu fragile associé à ces guitares électro-acoustiques qui de temps en temps durcissent le ton, rappellent Porcupine Tree sans les plagier comme dans le titre ‘Old Memories’.

Il y a quelques claviers, mais juste en trame de fond. On pourrait s’en passer, d’ailleurs, en live, il n’y en avait pas.

‘Crumbs’ joue de l’américana pour nous parler de la révolte quand ‘Lords’ revisite notre catéchisme, d’abord en douceur avec ses délicieuses notes de guitares avant de hausser légèrement le ton et finir sur un instrumental tout en délicatesse.

Une des merveilles de cet album (il y en a plein) s’appelle ‘Prognosis’. Le dernier morceau de l’album, d’un peu plus de quatre minutes, me transporte à chaque écoute. Il est joué tout en retenue dans des tonalités électro acoustiques fragiles, avec un court texte en forme de conclusion.

J’adore également la bombe thermonucléaire de ‘White Pinnacle’ qui met sens dessus dessous tout l’album. Il faut dire que les paroles ne font pas dans la dentelle puisqu’elles évoquent à demi-mots de ces curés qui abusent du corps des enfants au lieu de sauver leur âme.

Ineffable serait sorti cette année, il figurerait dans mon top 2025, car j’en suis tombé amoureux.

J’attends le prochain album de HamaSaari avec une impatience teintée d’inquiétude mais les premiers extraits que j’ai entendus en live me donnent de l’espoir. C’est toujours compliqué un second album.

Allez écouter Ineffable, aller écouter HamaSaari en live, ce groupe est plus que prometteur.

Skinner Project – To Earth, With Love

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Non, ce n’est pas la pochette qui a décidé du choix de cette chronique ! En fait, si un peu quand même. Quand j’ai vu cet astronaute tenant par la main un enfant, qui contemple la lune au milieu d’un paysage martien, j’ai tout de suite eu envie d’écouter l’album.

En plus le groupe de rock progressif Skinner Project m’était inconnu, il venait du Brésil et m’avait été recommandé par Alice.

Mais dès les premières secondes de To Earth, With Love, leur album sorti en juillet dernier, je lui ai trouvé une très grande proximité avec un groupe que je n’aime pas beaucoup. Qu’à cela ne tienne, je l’ai écouté une fois et ce que j’ai lu et entendu m’a convaincu d’en faire une chronique ici.

Mais commençons par les présentations : Skinner Project vient de Sao Paulo. Un quatuor né en 2017, mené par Léo Skinner. Le groupe a sorti trois albums, un EP et quelques singles en comptant To Earth, With Love.

L’album de moins d’une heure propose neuf morceaux de quatre à huit minutes ressemblant pas mal à ce que Rush a composé durant sa carrière. Mais voilà, je n’aime pas la musique de Rush toutes périodes confondues et encore moins son chanteur.

To Earth, With Love est un concept album de science-fiction, un voyage spatial sans retour qui explore les sentiments d’isolement et de solitude, enfin, je crois. D’ailleurs, le second morceau, cite des paroles de l’astronaute américain Nick Hague qui a volé à bord l’ISS et qui a accumulé plus de trois cent soixante-treize jours de vol spatial tout de même.

Un truc que je n’aime pas du tout dans Skinner Project, c’est la batterie de Léo Nascimento. Désolé Léo, mais mes héros s’appellent Gavin Harrison et Mike Portnoy. J’aime quand la batterie rebondit, fait de la musique, invente une mélodie dans la mélodie. Pas les ”tchac boum tchac” qui martèlent chacun des morceaux.

Je n’aime pas trop non plus la voix de l’autre Léo, enfin pas tout le temps. Disons que lorsqu’il part dans les aigües, ça me casse les oreilles. Et contrairement à ce que j’ai pu lire ailleurs, je trouve la musique vraiment datée. Certains refrains ressemblent à de vieilles rengaines de mon adolescence.

Mais je vous rassure, je n’ai pas acheté l’album uniquement pour sa pochette. Il y a quand même quelques bonnes choses dans To Earth, With Love au-delà de nos petits différents. Lorsque la musique se fait moins rock, la voix plus douce et les compositions plus éloignées de Rush, j’adhère nettement plus à leur travail.

Cela commence avec le titre album ‘To Earth, With Love’, sans doute parce qu’il contient des passages au piano et des voix enregistrées qui appuient la narration.

Difficile de résister également à ‘Report #28’ qui nous plonge en plein récit de science-fiction. Les monstres ont envahi le vaisseau, et c’est le seul titre instrumental de l’album.

Et malgré son côté K2000 (une série ringarde des années 90 avec David Hasselhoff), ‘The Devil Fault’, plus électro que progressif, a au moins le mérite d’être original au milieu de cet album. Et puis il y a ‘Speaking In Silence’, sans doute parce qu’ici Léo Skinner reste dans un registre vocal plus naturel. Enfin ‘Eternity’ m’a séduit par sa construction même si Léo chante toujours un peu trop haut et que le refrain est relativement ringard.

Après, il a y aussi des titres épouvantables comme ‘A Dream of Us’ avec sa batterie pot de yaourt et son chant façon Club Dorothée. Ce n’est pas le seul loin de là, mais celui-ci est au sommet de ma pile de détestation.

Au final, j’aime surtout la pochette de cet album.

Contrairement à certains de mes confrères, je ne vous recommanderai pas cet album, bien au contraire. Après, vous faites ce que vous voulez bien entendu.