Vous avez déjà assisté à l’agonie d’une tortue ? Renversé suite à une audacieuse acrobatie au ralenti ou retourné par un sadique, le chélonien, pattes en l’air, se débat vainement sous le soleil brûlant, tentant de se remettre debout. Cruelle fin vous ne trouvez pas ?
Sachez qu’il existe pire torture encore, et ce sont les ingénieurs d’Apple qui l’ont conçue.
Torture, Apple, tortue ?
Non je ne vous parle pas du Logo, ce langage de programmation graphique inventé en 1967 par Feurzeig et Papert mais d’un accessoire de mon ordinateur.
Je suis sous Mac depuis trois ans et je ne reviendrai plus jamais en arrière sauf ruiné. La machine semble aussi performante qu’au premier jour alors que chez Krosoft c’est la durée de vie maximale d’un PC pour qui utilise des logiciels gourmands. Un Mac donc avec un clavier et une souris sans fil. Super pratique. Grande autonomie, faible encombrement, avec plein de fonctionnalités bien vues et hors de prix comme il se doit.
Grande autonomie oui, mais de temps en temps il faut bien les recharger avec un cable USB Lightning. Pour le clavier, pas de problème, il suffit de le brancher au Mac et continuer à travailler. Certes ce n’est plus un clavier sans fil le temps de la recharge, mais c’est acceptable.
Pour la souris, c’est une autre paire de manches. Le connecteur Lightning se trouve sous la souris, si si, dessous. Pour la recharger, il faut la placer sur le dos et la brancher, rendant toute utilisation de cet accessoire indispensable, impossible.
Vous voyez l’analogie maintenant ?
Mais quel est le bougre d’imbécile d’ingénieur qui a eu cette idée stupide ? Mon Mac vient de m’informer que je devais recharger ma souris alors que je suis en plein travail. Pouf, plus de souris, autant dire plus de Mac. Le chélonien gît sur le dos, un harpon planté dans sa carapace et moi je suis comme un con à attendre que ses accus se rechargent pour reprendre mon travail.
Alors en attendant, j’ai écrit ce billet sur le smartphone car je suis un homme plein de ressources.
En 1986 Peter Weir adaptait le roman Mosquito Coast de Paul Theroux avec en acteur vedette Harrison Ford.
En 2021 Justin Theroux reprend le rôle de Allie Fox, l’inventeur marginal qui a mis au point une machine à fabriquer de la glace à partir du feu.
La première saison de la série Mosquito Coast d’Apple TV ne comporte que six épisodes d’environ une heure qui racontent la fuite de la famille Fox vers le Mexique.
Je ne vais pas vous mentir, Mosquito Coast dérange, surtout si vous êtes parents. La série dépeint une famille étrange avec le père un peu cinglé, la mère qui suit son époux sans rien dire ou presque, la fille adolescente qui veut vivre comme tout le monde et le garçon pré ado qui voit son père comme un dieu.
Vivant sous de fausses identités, ils changent sans cesse de résidence jusqu’au jour où une erreur les oblige à fuir les États-Unis. C’est cette fuite en avant qui nous occupe durant six heures, une fuite où le mystère autour des parents s’épaissit, où la tension monte entre les enfants et leurs géniteurs.
film de 1986
Je n’ai qu’un vague souvenir du film de 86 que j’avais pourtant regardé un nombre incalculable de fois. Mais j’ai la certitude que la série de 2021 fait déjà de l’ombre au long métrage et Justin à Harrison. Les quatre acteurs principaux sont très bons, les paysages magnifiques et la tension ne vous lâche pas du premier épisode jusqu’au dernier.
Teeshirt : Lacrimas Profundere – Hope Is Here (2016)
Je pensais jusqu’à peu posséder toute la discographie de Pain of Salvation. En réalité, il me manquait leur chef d’œuvre absolu, le concept album Be. J’ai son excellente édition live mais pas l’album studio.
En passant chez mon disquaire préféré, je suis tombé sur la réédition vinyle de l’album de 2004. Il trônait juste à côté du premier Transatlantic et du dernier live de Marillion. Autant vous dire que je suis reparti les bras chargés et la carte bleue allégée. Je ne vous parlerai que de Be, les deux autres disques ne possèdent à mon avis qu’un intérêt anecdotique en comparaison.
Pochette à deux volets noirs avec Pain of Salvation écrit en blanc et un Be quasi invisible cerclé de noir, l’artwork se révèle des plus classiques avec les paroles sur une feuille volante et deux vinyles 180 grammes. La merveille se trouve dans la musique et la fabuleuse production de cet album.
Be est un concept album enregistré en compagnie d’un orchestre qui ajoute violons, altos, violoncelles, flûte, clarinette, tuba et grandes orgues au quintet de Pain of Salvation.
Des dialogues, des messages à dieu, un orgasme (faux d’après Daniel), des bruitages et les instruments acoustiques rencontrent le metal progressif du groupe. Du metal progressif, en fait pas vraiment. Il y a surtout du rock, du blues, du gospel, du folk faisant de Be un album à part dans la discographie de Pain of Salvation.
Vous entendrez donc du folk dans ‘Imago’, du classique cinématique instrumental dans ‘Pluvius Aestivus’, le génial ‘Nauticus’, des messages à dieu dans ‘Vocari Dei’, du metal progressif dans ‘Diffidentia’, une messe dans ‘Omni’ et un solo de batterie mémorable dans ‘Nauticus II’.
Bon, maintenant qu’est-ce qui justifie le fait que je considère Be comme un des meilleurs concepts albums de tous les temps ? Il y a la voix de Daniel bien évidemment, qui en studio comme en live est incroyable. Il y a également cette histoire qui défile entre vos oreilles, le choix des instruments où le piano tient une belle place. Il y a encore cette liberté stylistique, quitte à déplaire à certains, qui est une des marques de fabrique de Pain of Salvation. Enfin il y a ces deux concepts imbriqués, l’homme se prenant pour dieu et l’idée que tous les mythes de création du monde possèdent un schéma similaire.
Be est un magnifique album et sa réédition lui rend encore plus honneur. Indispensable si vous ne l’aviez pas encore.
J’ai donc commencé à enregistrer des vidéos dans le salon. Et croyez-moi, filmer dans une pièce donnant sur une rue passante, ça n’est pas de tout repos.
Il y a tout d’abord les bus qui font un vacarme épouvantable en roulant à tombeau ouvert devant la maison, des passants qui s’arrêtent devant la fenêtre pour discuter pendant un quart d’heure, le facteur qui sonne à la porte, la chatte qui miaule parce qu’elle est toute seule, le chien des voisins qui se met à gueuler comme un dément et ma bêtise légendaire qui pimente l’expérience.
En vidéo, celle-ci s’exprime librement. Après avoir enregistré une chronique de bout en bout, je m’aperçois que j’ai scalpé ma tête, laissé ma braguette ouverte, un poil sur l’oreille gauche, oublié d’ouvrir le micro ou pire encore, omis de lancer l’enregistrement.
Pour trois minutes d’images, il aura fallu près d’une demie heure de prise de vue. Je coupe à chaque phrase, bafouille sur des mots improbables, râle, peste, hurle et explose de rire, un grand moment de solitude commenté ensuite, sans indulgence, par ma douce et tendre lorsqu’elle regarde le montage final.
Pour enregistrer une chronique, je profite qu’il n’y ait pas trop de monde à la maison, idéalement personne à part moi bien sur et le chat que je tente de flanquer dehors.
Je m’occupe tout d’abord des projecteurs. Leur montage n’est pas des plus simple à cause des réflecteurs vraiment pénibles à fixer. J’installe un premier pied photo, celui qui supportera la caméra, ni trop loin, ni trop près, juste dans l’axe du fauteuil où je vais poser mes fesses. Ensuite j’installe fixe le boitier Nikon dessus. C’est alors une délicate opération de cadrage qui commence pour filmer le bon décor et me placer correctement dans l’image. Il faut ensuite un second pied photo, plus léger cette fois pour porter un premier smartphone. Celui-ci me sert de prompteur avec une application gratuite bien pratique. L’écran de l’iPhone doit être au plus près de l’objectif du Nikon, juste au-dessus en fait, pour que mes yeux se posent au bon endroit et ne donnent pas trop l’impression de lire un texte. Je place alors les projecteurs de façon à maximiser la lumière sans provoquer trop d’ombres et de reflets, et croyez-moi, avec des lunettes sur le nez, les reflets ça n’est pas du gâteau. Enfin je branche le micro-cravate, j’essaye de penser à le mettre en marche puis je lance l’application SnapBridge du second iPhone pour piloter la caméra. Je bois de l’eau, vérifie ma mise en plis et je me lance.
C’est généralement à ce moment que je réalise que j’ai oublié le vinyle à présenter, que la caméra n’a pas de carte SD, que le portable sonne, que j’ai une envie pressante. Alors je me lève, je me prends les pieds dans les câbles, oublie que j’ai un micro attaché à mon teeshirt et au boitier Nikon et que tout ça est en train d’être filmé. Le projo vacille, le Nikon bouge sur son pied, je trébuche avant de me rattraper de justesse et j’oublie sous le coup du stress, la raison pour laquelle je m’étais levé.
Une fois deux ou trois prises réalisées, je débranche le micro, arrête la caméra, récupère la carte SD et je passe au montage avec iMovie qui suffit toujours à mes besoins. J’utilise une sorte de modèle afin à ne pas devoir à chaque fois fabriquer les génériques, choisir les polices et les effets visuels. J’ai juste besoin de quelques images et bien entendu du film. Le montage consiste tout d’abord à couper les horreurs, les temps morts, les passages de bus, les miaulements du chat puis à choisir la meilleur des séquences lorsqu’il y en a eu plusieurs. Reste enfin à assembler tous ces petits morceaux, à ajouter le son, gérer les transitions et visionner l’ensemble une dernière fois pour supprimer toute coquille. C’est là généralement que je m’aperçois que l’objectif à effectué la mise au point sur la bibliothèque au lieu de ma trombine. Il n’y alors plus qu’à tout recommencer. Par prudence, tout le matériel est en place pour une nouvelle prise, je suis devenu très prudent.
Une fois satisfait du clip, je le montre à mon épouse, la juge arbitre, qui ne prend pas de gants pour me dire ce qu’elle pense de mes digressions, de mon humour merdique et de mon côté épouvantablement prétentieux. Du coup souvent, je retourne au montage effectuer de nouvelles coupes.
Reste enfin à ranger tout le matériel, car bizarrement, mon épouse me trouve quelque peu envahissant avec mes vidéos à deux balles. Franchement je ne vois pas pourquoi. Ok j’occupe le salon pendant plus d’une heure avec deux projecteurs allumés, deux pieds photos dans le passage, un silence absolu exigé et un piano inaccessible, mais bon, ça sert à quoi un piano sérieusement, sinon à décorer mes vidéos ?
Sincèrement je me demande pourquoi je me casse la tête avec ces vidéos. Elles sont vues par une trentaine de personne et j’ai droit à deux « j’aime », le mien et celui de Stéphane Gallay. Je n’aime pas être devant une caméra, je n’aime pas mon image avec ma peau rouge, mes dents déchaussées, mon gros tarin (vous avez remarqué que j’ai une narine plus grosse que l’autre ?) et ma voix haut perchée. Mais je m’entête. Pour quelle raison ? Le challenge ? Possible. Passer le temps ? Certainement. Le besoin d’exister après Neoprog ? Sans doute aussi.
J’aime bien les Mars, surtout glacés et lorsque je tombe sur un film, une série, une BD ou un livre qui porte le nom de la planète rouge, il me le faut. Évidemment en plus du risque d’indigestion, à cause de cette passion, j’ai avalé quand même pas mal de nanards.
C’est ainsi qu’a commencé mon aventure avec Quelques Grains de Poussière Rouge, le roman Ludovic Schalk.
Ludovic qui ? Schalk ! Comment ça vous ne le connaissez pas ? M’enfin c’est un manager de la grande distribution qui vit dans le Sungau. Où ? Chez moi en Alsace ! Et oui c’est un roman auto édité publié grâce à un crowdfunding.
Mais tout ça je l’ignorais en l’achetant, j’étais juste tombé sur un bouquin parlant de Mars chez mon libraire. C’est en commençant à le lire que j’ai compris.
Ludovic ne possède pas la plume d’un Maupassant ou d’une Yourcenar et son verbe préféré est l’auxiliaire être. Autant vous avouer tout de suite que j’ai failli abandonner sa lecture dès les premières pages. Mais je me suis accroché, rien par patriotisme et pour Mars.
Quelques Grains de Poussière Rouge possède la forme d’un journal, celui du spationaute franco américain Octave (quel prénom au passage !) embarqué pour neuf-cent jours avec cinq autres astronautes dans un voyage aller-retour à destination de Mars. Trois hommes et trois femmes, mais attention, défense de jouer à touche pipi pendant les presque de trois années de mission…
Un journal qui relate ce voyage, l’expérience humaine partagée et les multiples incidents techniques qui émaillent l’aventure. Passé le style lapidaire, les schémas primitifs et les scènes de sexe torrides et innombrables, le récit tient assez bien la route, suffisamment pour que j’aille jusqu’au bout de l’histoire malgré ses maladresses.
Je ne le recommanderai cependant qu’aux gros geeks obsédés par la planète Mars ou obsédés tout court, encore qu’au final, on ne voit pas grand chose de la planète rouge dans cette histoire.
Teeshirt : Los Disidentes del Sucio Motel – Polaris (2021)
Big Dead n’a rien d’un groupe de death contrairement à ce que ce nom pourrait indiquer. Cette formation de Brisbane surfe sur la vague de l’art rock et du jazz.
Bone White Branches sorti en 2019 est leur premier effort si on oublie quelques singles publiés depuis 2009 entre trois EP. Après s’être longuement cherché, Big Dead trouve son style en 2016 avec l’EP cinq titres Shell qui pose les bases de Bone White Branches.
Piano, saxophone, clarinette, voix, guitares, basse, batterie et claviers se rencontrent sur neuf pièces brèves, fragiles et très instrumentales. Le chant n’est ici qu’un instrument parmi les autres, feutré, traînant, lancinant. Il ne vole la vedette à personne.
Dans cet album on retrouve la touche expérimentale de Radiohead, le nu jazz norvégien, le post rock de Tortoise et l’esprit de Sanguine Hum.
L’étonnante pochette couleurs, fusain et encre, représente des membres difformes accrochés à des corps, des mains pied, des bras jambes aux doigts recroquevillés. Un graphisme torturé peu engageant qui cache pourtant une musique d’une grande sensibilité.
Ici pas de textes, juste une pochette et un vinyle, difficile de savoir ce dont l’album parle, à part qu’il est dédié à Marty, un ami disparu.
Pendant trente-quatre minutes vous entendrez du piano jazz avec ‘Prelude’, de l’art rock à la Pablo Honey sur ‘First/Last’, un ‘Ocean Cloud’ compressé dans ‘Heart and Brain’ et la pop de ‘Reside’.
Le piano, le saxophone et la clarinette basse donnent à la musique des tonalités toutes particulières qui rendent l’album quelque peu inclassable. Lorsqu’il était sorti, je n’avais pas su lui donner sa chance, me poser et l’écouter réellement. C’est en parcourant mes vinyles que j’ai redécouvert cette merveille atypique dont il fallait absolument que je vous parle, rien que pour me faire pardonner.
Progressif, jazzy, art rock et subtilement expérimental, Bone White Branches ne fera sans doute pas l’unanimité, mais écoutez-le avant de juger, il est sur Bancamp.
Cette année, pas de fête de la musique, pas de concert, alors j’ai fait comme beaucoup, j’ai regardé des lives en streaming. Après TesseracT, Marc Atkinson, Franck Carducci, Melanie et Martin, Bruce Soord, Ray Wilson, Anneke et d’autres, j’ai craqué pour Leprous. Enfin Einar Solberg au piano accompagné sur quelques titres par Robin Ognedal.
Le samedi 19 juin, deux jours avant la fête de la musique qui serait annulée chez nous, Einar proposait un récital d’une heure et quart au piano où il réinterprétait quelques un des grands titres du groupe Leprous. Ca se passait sur nunin.live à 19h30. Le chanteur du groupe jouait quelques titres choisis au préalable par le public dans les soixante-quatorze de son répertoire. La veille du show, il paniquait un peu à l’idée de jouer sans filet au piano quelques morceaux sur lesquels il ne faisait que chanter d’ordinaire. Rassurez-vous, il s’en est bien sorti.
J’ignorais à quoi m’attendre avec cette formule acoustique. C’est vrai quoi, Leprous ramené à la voix d’Einar et aux notes d’un piano, cela peut sembler affreusement réducteur. Ici pas de chichi, d’effets numériques, de transitions. Einar nous livre un vrai live filmé d’une traite, avec un public et où le chanteur oublie même au début de parler en anglais pour les personnes connectées sur Internet. Quelques éclairages, draperies noires, rouges ou bleues, cercles de lumière sol, plusieurs caméras dont une un peu surexposée au bout du clavier, l’atmosphère du concert est cosy et nullement artificielle, tout à l’opposé du concert de TesseracT. J’ai l’impression d’assister à récital de Brahms dans un petit auditorium avec mon épouse.
J’avoue ne pas avoir reconnu tous les morceaux immédiatement, tellement ils se retrouvaient ainsi dépouillés. La voix d’Einar, parfois très haute, vraiment très haute, pique un peu les oreilles sans la grosse artillerie de basses du groupe. Elle reste cependant irréprochable tout au long du set mais l’accompagnement piano est vraiment minimaliste. Ce n’est pas Gleb Kolyadin qui joue si vous voyez ce que je veux dire. Einar est définitivement coincé en live et lorsqu’il s’adresse au public, cela tombe un peu à plat mais lorsqu’il chante, la magie opère. Robin qui l’accompagne, semble nettement plus dans son élément et sa contribution enrichit considérablement certains titres qui sinon auraient été trop dépouillés. Il a été pourtant appelé à la rescousse d’Einar seulement deux jours plus tôt.
Après une heure quinze de live, Einar repartira pour une seconde partie composée de reprises et réservée aux VIPs. Ne faisant pas partie de cette tribu, le billet était déjà à seize euros, j’ai laissé Einar avec ses fans. Cela ne m’a pas empêché de regarder une seconde fois le concert le lendemain, il faut bien rentabiliser le concert.
Je ne dirais pas que ce fut un grand live, mais toujours mieux que celui de TesseracT. La magie aurait certainement opéré bien plus, assis dans la salle, devant le piano, mais je n’allais pas non plus prendre l’avion pour une heure de musique, bilan carbone oblige. Peut-être y aura-t-il, comme pour Portals, un Blu-Ray ou des vinyles de ces concerts de Leprous au piano, nous verrons. En attendant ça fera ma fête de la musique.
Lorsque j’ai lu la chronique de Gruz, j’ai cru qu’il s’agissait d’un livre de James Ellroy… ça m’apprendra à lire en diagonale. Mais devant son enthousiasme pour le bouquin, j’ai couru chez le libraire acheter Le Carnaval des ombres de R.J. Ellory, oui pas Ellroy.
Michael Travis qui vient d’être promu agent spécial senior du FBI, est envoyé à Seneca Falls pour enquêter seul sur la mort d’un homme.
R.J. Ellory plante le décor d’une petit bourgade du Kansas en 1958 avec son motel, ses deux bars, son chérif et le cirque itinérant qui vient de s’y installer et où le cadavre a été découvert.
Michael n’est pas un homme ordinaire et la première partie du livre nous raconte le début de cette enquête peu ordinaire et, par flash-backs, l’enfance de cet homme tourmenté. L’alternance des ces deux modes narratifs donnent un fabuleux rythme à la lecture, rythme que j’aurais aimé conserver jusqu’à la dernière page.
Mais l’auteur nous plonge ensuite dans le mystérieux cirque diablo et ses personnages inquiétants, le Maigre, la contorsionniste, l’homme aux sept doigts, l’étrange maître de cérémonie et son envoûtante compagne. Leur incroyable représentation est un des grands moments de ce roman, certainement le passage qui m’a le plus ému dans ce livre.
Puis dans la dernière partie, sans doute la plus difficile à lire, Ellory dévoile les lourds secrets de l’agence de Hoover et développe des théories conspirationnistes effrayantes sur les États-Unis de l’après guerre.
Mais Le Carnaval des ombres est avant tout l’histoire de Michael, un homme qui a enfoui son passé sous une chape de plomb pour ne plus souffrir et qui, au fil des pages, voit ses souvenirs remonter à la surface, les morts de ses parents et d’une femme qu’il a aimé. Il voit également ses certitudes s’effriter une à une pendant cette enquête hors du commun et le personnage qu’il devient à la dernière page ne ressemble plus beaucoup à l’évaluation d’aptitude psychologique 19-409 de l’agent spécial Travis au début du livre.
Le Carnaval des ombres est un grand roman noir, complexe, intrigant et pas toujours facile à lire. Néanmoins allez jusqu’au bout, le voyage en vaut la chandelle.
Aujourd’hui je n’ai pas de CD ou de vinyle à présenter. Inside This Dream est un EP que j’ai acheté sur Bandcamp. Pas du mp3 tout de même, restons sérieux, mais de l’ALAC, car ma bibliothèque est sur iTunes. Personne n’est parfait.
Par goût, je n’achète que rarement de la musique dématérialisée. Mais lorsqu’il n’y a que ça, ben je m’en contente et si le disque sort plus tard, ben je l’achète également. Parce qu’une fois la musique perdue dans ma collection numérique, j’ai tendance à l’oublier, alors que lorsqu’elle est gravée sur un compact disk ou une galette, j’y reviens régulièrement.
The Central Heart est un groupe qui mérite ce sacrifice digital. Il s’agit d’un projet solo dans la veine de Tool, proposant un metal progressif alternatif relativement posé.
J’ai découvert le groupe avec l’album Nothing But Sound sorti l’an passé, un disque qui sonnait plus pop progressif que ce dernier EP.
Et soyons clair, Inside This Dream ne révolutionne pas le genre mais cet EP d’une demie-heure est superbement réalisé.
Une voix douce retravaillée survole des rythmiques tribales portées par une basse claire hypnotique. Entre les deux se glissent des guitares parfois psychées ainsi que de la programmation.
En posant un casque sur les oreilles, vous entendrez mieux des éléments sonores, qui allègent une écriture doom alternative. Il est vrai, que sans cette écoute attentive, j’aurais tendance à me laisser porter par la rythmique et le chant, oubliant de me concentrer sur le reste, ce qui donne à l’EP une fausse impression d’uniformité.
Le morceau le plus nerveux se nomme ‘Inside This Dream’ et ‘Falling’ ressemble à un single accrocheur, un titre qui résonnait déjà dans la tête après la première écoute. Quant à la dernière pièce ‘Back Home’, elle possède un je ne sais quoi de The Cure, peut-être à cause de la ligne de basse.
Je ne suis pas certain de vous avoir bien vendu cet EP, mais croyez moi si je vous dit que The Central Heart est un groupe à suivre de près. Espérons que prochainement un album physique verra le jour. En attendant, sa musique est sur Bandcamp.
Le roman de poche de Lobsang Rampa trônait bien en évidence sur la cheminée de mes parents avec d’autres livres de la collection de poche rouge.
N’étant pas naturellement attiré par le surnaturel, je n’ai jamais ouvert ce bouquin.
Mais lorsque je suis tombé sur le graphisme de la bande dessinée de Olivier Ledroit, je ne me suis posé aucune question, je l’ai embarquée.
Couleurs, traits de lumières, halos, spirales, perspectives des grandes artères parisiennes et vues imprenables sur les monuments de la capitale, les traits comme les encres en mettent plein les yeux. Les personnages eux sont étrangement ébauchés, filiformes, légèrement hydrocéphales, aux trait marqués, ils dérangent ce qui ne rajoute qu’un peu plus à l’atmosphère.
L’histoire pourrait se résumer à une initiation mystique. Il est question de chakras, d’anges, de démons, de révélations, d’auras, de troisième oeil et j’en passe. Pas du tout mon délire en fait. Chaque monument de Paris devient un lieu de concentration des forces telluriques et trace des lignes dans l’univers, bref la totale.
Ce délire mystico-fumé ne m’a pas empêché d’aller jusqu’au bout de la BD avec avidité en écoutant le dernier Gojira à fond la caisse. L’histoire, s’il y a une histoire, rythme de magnifiques planches hallucinantes de couleurs, des rues de Paris jusque à l’autre bout de l’univers à la rencontre du grand tout. Hare Krishna !
